Nature, guide-moi. Extrait de l’exposition du 1er au 19 avril 2025
Fleuve en hiver 70 x 70 cm
Lilas le matin 73 x 73 cm
Lilas 72 x 73 cm
Helsinki by Night 40 x 40 cm
Pour moi, ce qui est important, c’est de regarder les choses avant de peindre.
J’attends ce que la nature me propose.
Quand les abeilles viennent vers la toile, je sais que la peinture va dans la bonne direction.
Lorsque les couleurs résonnent, la peinture est terminée.
llmari RAUTIO. 2025
IImari RAUTIO est né à Helsinki, la capitale finlandaise. Il a grandi dans une famille de musiciens et a étudié la guitare et la composition à l’Académie Sibelius. Il a étudié ensuite la peinture à la Free Art School à Helsinki avant de devenir peintre. Son travail et sa vie le maintiennent toujours en contact avec la nature finlandaise. RAUTIO est un peintre qui aime travailler en extérieur tout au long des quatre saisons, du printemps à l’hiver. Il installe son chevalet devant un paysage et attend patiemment qu’apparaisse ce que la nature lui propose. Puis, une fois sûr de sa création, il prend son pinceau pour exprimer sa vision originale et son univers. Le jardin enneigé, la rivière gelée, les fleurs et verdures après un long hiver se mélangent à l’état d’esprit de l’artiste, créant un festin de couleurs nordiques sur la toile.
GALERIE 48
Biographie
Né à Helsinki, Finlande, en 1958, vit et travaille à Nurmijärvi, Finlande
1979 – 82
Peinture, Free Art School fondée en 1935, financée par la République de Finlande et la ville de Helsinki
1975 – 78
Guitare et Composition, Sibelius-Akademie.
Expositions personnelles
2025
“Nature, guide-moi” GALERIE 48, Lyon, France
2024
Virtaa-galleria, Helsinki, Finlande
2023
Virtaa-galleria, Helsinki
2022
Sitruunapuu galleria, Helsinki
2021
Midori galleria, Helsinki
2019
Galleria Katariina, Helsinki
2015
Midori galleria, Helsinki
Luosto Classic Festival de music, Sodankylä, Lapland, Finlande
Résonance de la 15ème Biennale d’art contemporain de Lyon Exposition du 14 septembre au 26 octobre 2019 a la galerie
Exposition du 18 septembre au 5 octobre au loft 4.40 a Lyon
Gravures d’aujourd’hui – Six artistes contemporains P. ALECHINSKY – Hervé DI ROSA – Speedy GRAPHITO – CH. PEDERSEN – G. SALZMANN – R. TEXIER Extrait del’exposition collective du 10 septembre au 29 octobre 2016
Un regard au pluriel Extrait de l’exposition du 5 novembre au 20 décembre 2015
New York Air 100 x 50 cm
Exposition
Cathédrale de Toulouse 77 x 37,5 cm
Les Abbés 33 x 48 cm
Cityscapes Extrait de l’exposition du 7 septembre au 31 octobre 2013
Aerial reflection I 57 x 39.5 cm
Hambourg la nuit 30 x 45,5cm
Tapis des champs
47 x 30 cm
Reflection
30 x 47 cm
…Rétrospectivement, on constate du reste combien ses aquarelles, remarquables tant par leur technique que par leurs motifs, ont toujours entretenu un dialogue vivifiant avec d’autre groupes d’œuvres, qu’il s’agisse des collages et des dessins au fusain des débuts ou des photographies qui viendront par la suite et qui trouveront, là aussi, à s’intégrer de de façons particulière dans son univers artistique.
Le travail de Salzmann, indépendamment du procédé utilisé, s’inscrit toujours dans un contexte biographique et artistique. …Les vues urbaines, d’une part, et les paysages, de l’autre, sont autant de champs de tension qui s’expriment tantôt dans des nuances vaporeuse, tantôt, dans des aplats colores et dynamique. Salzmann aime à jouer avec toutes sortes de notions de la réalité. Le regard réel, l’œil photographique, la perception des reflets, le vécu actif, les émotions et le ressenti – c’est tout cela que l’artiste fait interférer et concentre dans l’image. Mais, au–delà de cette pluralité, chaque œuvre s’avère comme une expérience tout à fait personnelle de la nature, de la ville, des paysages, comme une expérience sensorielle que l ‘artiste traduit brillamment, avec une grande intelligence esthétique.
Martin Hochleitner, Directeur du Musée de Salzbourg Extrait de l’avant–propos du livre GOTTFRIED SALZMANN, Cityscapes
Dans le domaine de l’art à la fin du XXe siècle, il existe une technique tabou aux yeux des avant-gardistes : l’aquarelle. Cela est d’autant plus étonnant que le développement de l’art, depuis les années 1960, ne connaît absolument plus de limites esthétique ni technologiques.
La liberté de création permet à l’artiste de recourir à tous les matériaux et a toutes les techniques allant des formes d’expression industrielles aux formes d’expression artisanales traditionnelles. Seule l’aquarelle semble être corrompue par l’abus des cours sans originalité destines aux peintres amateurs, de la Toscane au nord de l’Allemagne. Cela accroît aussi le sentiment d’une injustice historique, laquelle est d’autant plus inexplicable que la première moitié du XXe siècle a vu encore quelques-uns des artistes les plus remarquables démontrer leur talent d’aquarellistes, Paul Klee ouvrant la marche avec d’autre artistes du Cavalier Bleu (der Blauer Reiter).
Faire de l’aquarelle dans ce contexte typique de l’époque semble donc tout aussi risqué que de se spécialiser dans les vues topographiques : vedute urbaines et paysages. Gottfried Salzmann lève radicalement un tabou en se consacrant à ces motifs si longtemps dédaignés. II utilise en effet une technique frappée d’un verdict esthétique qui a toutefois déjà trouvé son grand maître, dans un autre style en la personne du vieil Oskar Kokoschka. Et pourtant, on ne pourrait pas s’imaginer plus grande différence entre les dessins de Kokoschka à l’aquarelle et la technique humide sur humide, unique en son genre, de Gottfreid Salzmann. Salzmann est en effet beaucoup plus proche d’Emil Nolde et de William Turner, parfois également de Rudolf von Alt, et du peintre de Graz, toujours autant sous-estime, Wilhelm Thöny. Salzmann reste cependant unique, tant sur le plan de composition qu’au niveau des couleurs. Bien que la virtuosité ne soit plus depuis longtemps gage de qualité artistique, on ne peut s’empêcher de considérer Gottfried Salzmann comme l’aquarelliste probablement le plus virtuose et le plus complexe des dernières décennies. Salzmann sait faire du papier blanc exempt de tout pigment un support expressif aussi important que la couleur et dans le même temps un élément stabilisateur pour ses compositions. Ses éclaboussures d’eau et de couleurs, comme reparties au hasard sur le papier, sont d’une délicatesse qui n’a rien de doux ou de superficiel en soi, pour la simple raison que celle-ci fait partie, dans un équilibrisme japoniste, de la conception d’ensemble : elle n’est jamais une fin en soi.
Pour l’Albertina, la collection d’aquarelles de Salzmann, propriété du musée, compte parmi les plus précieux trésors.
Klaus Albrecht Schröder Conservateur en chef du Musée Albertina – Vienne
Biographie
Né à Saalfelden (près de Salzbourg, Autriche) en 1943 et vit à Paris.
1963 – 1965
École des Beaux–Arts de Vienne, Autriche
1965 – 1968
École Nationale Supérieure des Beaux–Arts de Paris, France
Prix
1972
Prix de dessin David-Weil, Paris-Prix Theodor Körner, Vienne, Autriche
1975
Grand prix de dessin de la “Salzbuger Wirschantskammer”, Autriche
1977
1er prix international pour l’aquarelle à Rome, Italie
Expositions personnelles
Après ses études à l’École des Beaux-Arts de Paris, dès 1973, la date de sa première exposition, il entreprend une carrière internationale renommée. Il a, depuis, réalisé plus de 300 expositions personnelles. Ses peintures sont représentées en permanence en Allemagne, en Angleterre, en Autriche, en Belgique, aux États-Unis, en France, en Hongrie, au Japon, au Liechtenstein, aux Philippines, en Pologne et en Suisse.
Expositions dans les Musées et Expositions récentes
2019
Art Fair Vienne, Autriche
Art Fair Karlsruhe, Allemagne
2018
Urban Art Paris, Galerie Knafo
Museum Schloss Ritzen, Saalfelden, Collection Biering, Autriche
2017
Salon Champs Élysées. Galerie Knafo
2014
Museum Schloss Ritzen, Saalfelden, Autriche
2013
Rétrospective au Musée de Salzbourg, Autriche
2012
Kubinhaus Zwickledt, Zwickledt, Autriche
Oberösterreichisches Landesmuseum, Linz, Autriche
2009
Le Carmel, Tarbes, France
2008
Espace Raymond Moretti, Paris La Défense, France
2006
Ouverture de la Salle Gottfried Salzmann : une salle consacrée à son travail au Musée de Salzbourg, Autriche
2003
Museum Carolino Augusteum, Salzbourg, Autriche
2001 – 02
Musée de Saint-Maur-des-Fossés, La Varenne, France
1998
Palais Bénédictine, Fécamp, France
1996
Centre d’Art Contemporain, Rouen, France (avec Nicole Bottet)
1993
Musée de la Seita, Paris, France
1991
Museum der Moderne Rupertinum, Salzbourg, Autriche
Musée métropolitain de Manille, Philipines
Oberösterreichisches Landesmuseum, Linz, Autriche
1987
Städtische Sammlungen Schweinfurt, Allemagne
1982
Musée Albertina (Prunkräume), Vienne, Autriche
1973
Maison de la Culture, Amiens, France
Collections publiques
Ville de Lyon
Albertina Museum, Vienne, Autriche
Museum der Moderne, Salzbourg, Autriche
Musée de Salzbourg, Autriche
Oberösterreichisches Landesmuseum, Linz, Autriche
Museum Essl, Kunst de Gegenwart, Klosterneuburg, Autriche
Musée de la Ville de Paris, France
Bibliothèque Nationale de Paris, France
Museum Séoul, Séoul, Corée du Sud
Musée Jenisch Vevey, Suisse
Kunstmuseum, Vaduz, Liechtenstein
Metropolitan Museum, Manille, Philippines
Sammlung Leopold, Vienne, Autriche
Strabag Kunstforum, Vienne, Autriche
Musée de Montbeliard, Montbeliard, France
Leopold Hoech Museum, Düren, Allemagne
Museum Ferdinandeum, Innsbruck, Autriche
SL Green Reality Corporation, New York, États-Unis
AIG/American International Group, Inc. New York, États-Unis
Choix de petits formats Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016
Exposition
Planetary vision 25 x 33 cm
Inner core 32,5 x 24,5 cm
Paysages introspectifs
Ses séries de Mokuhan-ga par la technique d’Ukiyo-é, Monotypes Extrait de l’exposition collective du 20 mars au 17 mai 2014
Channeling 56 x 41 cm
Colour Blind 56 x 41 cm
Grasses in the Bleeze 56 x 41 cm
Enlightenment Poem 56 x 41 cm
Retrouve Shingai Tanaka Extrait de l’exposition du 7 novembre au 21 décembre 2013
Full Moon, Red Sea
40 x 42,5 cm
Soaring Spirit
40,4 x 22,5 cm
Focus 30 x 27 cm
Exposition
Le sous-titre de l’exposition, “Retrouve..”, symbolise la rencontre des œuvres de deux esprits créatifs, celui de mon regretté maître de calligraphie au pinceau, Shingai Tanaka et le mien.
Jeune homme, j’ai vécu au Japon pendant sept ans, complétant mes Masters en Beaux-Arts à Tokyo avant de partir m’installer à Kyoto. J’ai passé les quatre années suivantes sur place à étudier la calligraphie au pinceau sous l’égide de Shingai Tanaka.
“Retrouve..”, tenue à la GALERIE 48, est la troisième exposition regroupant nos œuvres en dehors du Japon, la première s’étant déroulée à Édimbourg en 2001 et la seconde à Lyon en 2005, c’est d’ailleurs durant cette dernière que j’ai vu Shingai pour la dernière fois.
Etudier la calligraphie au pinceau pendant une si longue période m’a permis de me faire une idée de la philosophie orientale, et m’a orienté vers une approche plus méditative, plus abstraite de mon travail. Un fort intérêt pour la spiritualité marié à un sens de l’esthétique à l’orientale ont permis la réalisation d’œuvres contemplatives qui reflètent mon propre rapport à la spiritualité dans mon chemin de vie.
Travailler sur “Retrouve..” m’a permis de revisiter la structure de mon travail en le rendant plus calligraphique : en utilisant de l’encre sumi pour tracer des lignes au pinceau, puis une technique de surimpression à partir de blocs de bois aux couleurs et textures douces. D’autres œuvres se caractérisent par une impression chargée sur des blocs de bois, à la surface desquels la ligne calligraphique a été gravée. Utiliser du papier oriental fabriqué à la main rajoute une certaine dimension au subtil effet de superposition du tracé calligraphique. Peut-être cela symbolise-t-il les multiples couches qui constituent nos vies, ou alors le voile fin qui sépare le monde tel que nous le percevons de celui qui se trouve au-delà de notre entendement.
Campbell Sandilands,
Édimbourg, octobre 2013
Biographie
Né à Perth (Écosse) en 1962, vit et travaille à Édimbourg en Écosse.
1989 – 93
Sho International, Kyoto, Japon, Etude de la calligraphie au pinceau (sho)
1987 – 89
Université des Beaux-Arts de Tama, Tokyo, Japon, MA Beaux-Arts
1987 – 89
Académie Yoshida Hanga, Tokyo, Etude de l’impression traditionnelle sur bois (hanga)
1984 – 85
Duncan of Jordanstone College of Art, Dundee, Écosse, Post Diploma
1980 – 84
Duncan of Jordanstone College of Art, BA (Avec les Honneurs, First Class)
Exposition
II expose au Royaume-Uni (Londres, Édimbourg, Dundee et Glasgow), en Corée du Sud et au Japon (Tokyo, Kyoto et Osaka)
Récompenses
2013
Prix du Hope Scott Trust
2005
Artiste en résidence sur une période de 5 semaines au MAPRA, Lyon, France, via le programme d’échange Japon / EU People to People
2003
Artiste en résidence sur une période de 4 mois, Pittencrieff House Museum and Fife Dunfermline Printmaking Workshop, Dunfermline, Écosse, fondé par le Scottish Arts Council et le Carnegie Trust
2002
Prix d’Arts Visuels du Conseil d’Arts écossais de Dundee
Premier Prix du “Salon d’été d’Angus” du Conseil d’Angus
Second Prix, Glaxo Smith Kline “Une Célébration Dans l’Art”
Studio d’Impression d’Art Contemporain de Dundee « Print Open 2002 », Université d’Abertay Prix d’Arts Visuels (Purchase Prize)
1991
Prix du président, Exposition Bi-Ten, Kyoto City Museum, Prix de Calligraphie Libre sponsorisé par le Ministère de l’Education, de la Science et de la Culture du Japon
1990
Prix du Nouvel Artiste, Exposition Bi-Ten, Kyoto City Museum
1986 – 89
Ministère de l’Education, de la Science et de la Culture du Japon, Bourse de recherche
1984
Prix de la foundation Elizabeth Greenshields, Canada
Collections privées et Publications
Collections au Japon, Canada, Royaume-Uni, en Corée du Sud, France, Autriche, Allemagne et aux États-Unis
Campbell Sandilands a été publié dans plusieurs magazines dont “Printmaking Today” et plus récemment “Culture Ocean”, un magazine d’arts sud-coréen
Lyon Art Paper Salon de dessin contemporain du 4 au 8 octobre 2023
sans titre 21 x 82 cm
Présentation détail
sans titre 33 x 33 cm
Exposition, une œuvre composée de 10 panneaux
Ces lieux proposés aux regards que sont mes œuvres participent à la recherche de cette fonction poétique du lieu dans laquelle je pourrais situer la genèse de mon travail. Un lieu qui n’est pas de l’ordre de la représentation mais de l’ordre du surgissement et qui invite au voyage. Un lieu qui est et qui n’est pas. Ce lieu qui est en nous ou qui n’y est pas. Il n’est ni d’ici, ni d’ailleurs, ni ici, ni là.
Il est.
Reste le mystère de la rencontre avec les œuvres. Celui du choc émotionnel qui révèle de l’éblouissement ou de la révélation, maintenant, ici, avant même toute intellectualisation. Reste le mystère de leurs métamorphoses, par leurs interactions mutuelles dans le musée imaginaire qui n’existe que dans notre esprit.
Reste l’indicible.
Reste le mystère.
Serge SAUNIÈRE
Serge SAUNIÈRE Extrait de l’exposition du 16 mars au 6 mai 2017
Acrylique 97 x 195 cm
Encre 84 x 54 cm
Acrylique 130 x 130 cm
Acrylique 162 x 130 cm et 130 x 130cm
Loin, très loin, à des années lumières du tapage et des fracas, Serge Saunière explore l’infini, l’immatériel, l’ineffable. Du grand vide lumineux aux ténèbres profondes, tout est silence, tout est distance. Voyageur solitaire, il s’empare du moment qui passe, l’arrête un instant et, dans un souffle, nous en restitue la quintessence.
Proche de l’ascèse, maître du noir et blanc, il entre-ouvre la porte de l’extrême orient, celle de l’intemporel, de l’indicible. Son œuvre, toute empreinte de spiritualité, magistralement maîtrisée, vient compléter celles de ses prestigieux prédécesseurs de la deuxième partie du XXème siècle: de Degotex, Marfaing, Soulages.
Michèle DESTARAC
Biographie
Né en 1947 à la Grand Combe, Gard. Vit et travaille à Pontault-Combault, Île-de-France.
Études
1972 – 79
École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris
Bourse d’étude du Ministère français des affaires étrangères : Maîtrise-Doctorat “la Peinture traditionnelle japonaise” de l’Université des Arts de Tokyo, sous la direction du prof. Ikuo Hirayama
Bourse de la Fondation du Japon : “Recherches sur les techniques de fabrication des supports traditionnels japonais” de l’Université des Arts de Tokyo sous la direction de Ikuo Hirayama, Kei Terauchi, Yoshiteru Nomura
1986 – 88
Pensionnaire de la Maison Franco-Japonaise de Tokyo
Recherches sur les matériaux, les papiers et les soies
Expositions personnelles récentes sélectionnées
2023
Lyon Art Paper, GALERIE 48,Lyon
Galerie Danielle Bourdette Gorzkowski, Honfleur
Chapelle des Paulines, Tréguier
2018
Musée de l’archerie et du Valois, Crépy-en-Valois
2017
GALERIE 48, Lyon
2015
Théâtre Charles Dullin – invité d’honneur, Le Grand Quevilly, Rouen
Cap sur les Arts – invité d’honneur, Perros-Guirec, Bretagne
2014
Salon des Beaux Arts des Garches – invité d’honneur, Mairie de Garches
2014-2000
MAC Paris, Espace Champerret, Paris
2013
Musée d‘art et d’histoire de Meudon avec Bertrand CREAC’H
Galerie Terres d’Écritures, Grignan
2012
Victoria’s Gallery, Paris
2011
Centre d’Arts Plastiques Albert Chanot, Clamart
2010
Galerie Ka & Nao, Grenoble
Expositions collectives récentes sélectionnées
2022
Encres et Céramiques, Galerie Montméat Maurel, Paris
2021
Encres et Céramiques, Galerie Montméat Maurel, Paris
Illusion Ontologique Extrait de l’exposition du 18 octobre au 24 novembre 2012
Terre rouge
100 x 100 cm
Réflexions sur le temps
53 x 101 cm
Morphologiquement relatif
46 x 62 cm
Exposition
Illusion Ontologique
“Ma recherche se fonde sur une vision de l’existence qui est en connexion avec l’univers dans lequel évolue ma création artistique. J’exprime de manière concrète des éléments d’abstraction qui servent de base à mon inspiration.
Mon but ultime est de formaliser de façon picturale des concepts qui concilient un équilibre entre idéalisme et réalité. Mes sources d’inspiration se trouvent dans une transcription d’éléments naturels qui servent de points d’ancrage à la rencontre du temps et de l’espace que j’invite dans toutes mes créations.
“Ma vision de l’art repose sur l’illusion ontologique”
Il faut être la tête vide dans une posture méditative face au mur blanc. Il n’est pas facile de méditer. Il faut savoir laisser entendre le temps qui passe et même accepter le surgissement de quelque chose. Une chose qui semblerait sortir du mur ou du tableau comme une idée. Mais c’est le regard qui lui donne son existence. Cette chose n’est pas dans le tableau, elle naît du regard de l’homme qui donne la valeur aux choses. Je laisse agir une dimension psychologique comme un résultat naturel et spontané…..”
Mitsuharu Sawada
Biographie
Né en 1947 à Osaka, Japon. Vit et travaille à Paris.
1965
Université des Beaux-Arts de Kyoto (Japon)
1978
Diplôme de l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (Belgique)
1981 – 1984
Professeur de peinture – l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Namba (Japon)
1993 – 1994
Professeur de peinture – Centre Culturel franco-japonais, Paris
1998 – 2001
Professeur de peinture – Université d’Hiroshima (Japon)
Prix
1995
Médaille d’Or – Prix International des Arts Plastiques d’Unet (France)
1994
Premier Prix de Peinture – Concours international d’Europe prix décerné à l’issue d’un concours auquel sont invités à participer
1993
Invité d’honneur de la Principauté de Monaco au Prix International d’Art Contemporain de Monte-Carlo
Grand Prix de Peinture avec mention, attribue par le jury de Sarreguemines
Premier prix de peinture de la ville d’Othis (France)
1992
Prix international HOF DE BIST’20 à Anvers (Belgique)
Premier prix de peinture international d’Agachi à Milan et invite d’Honneur
1990
Grand prix de peinture avec mention, attribué par le jury du Prix International d’Art Contemporain d’Ostende (Belgique)
Prix de peinture international, Vitry
1983
3e prix de Nichido, Tokyo
Premier prix de peinture, Kyoto
1978
Prix d l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles
Dialogues avec les aînés Peinture japonaise traditionnelle par deux jeunes peintres nippons Extrait de l’exposition du 19 mai au 2 juillet 2016
Fleurs de nuages 91 x 65 cm
Paysage 35,3 x 34,7 cm
Exposition
Au Japon, depuis l’Antiquité, grâce à la nature, le phénomène de l’intuition est particulièrement apprécié ; il ne dépend pas de la logique et à chaque époque il a contribué à créer un sens esthétique. Visant un nouveau sens de la beauté, je recherchais un moyen de m’exprimer dans ce domaine de l’intuition. Comme indicateur de mon exploration, j’ai nommé ces œuvres « Khora ». Ce mot traduit un concept qui apparaît dans le Timée de Platon. Mon interprétation est que Khora représente comme un « lieu » pour une existence différente, un domaine contraire de la logique qui classe et organise les choses par la raison et le langage. Et, je crois que ce domaine est mutuellement accessible à la pensée orientale.
Il s’agit d’une série d’œuvres dans lesquelles les lignes du pinceau sont dessinées et superposées selon la technique orientale sur l’aluminium, lui-même issu de la modernité occidentale. J’exprime un nouveau domaine de l’intuition et son universalité, en incorporant et répétant les techniques et les concepts de chaque culture et civilisation.
Tatsuhiro SUIZU
Avril 2024
Biographie
Né à Hiroshima, Japon en 1987.
2013
Master en peinture japonaise de l’Université des arts de Tokyo
2011
Licence en peinture japonaise de l’Université des arts de Tokyo
Expositions personnelles
2024
“Gentle waves” GALERIE 48, Brignais, France
2023
“LANDSCAPE here and there” MARUEIDO JAPAN Fine art gallery, Tokyo
“Tatsuhiro SUIZU” SOGO Yokohama Art gallery, Yokohama, Japon
“Spectrum selection vol.9 – Three Elements” HONEN-IN Temple, Kyoto, Japon
“Quietly” Fukuya hatchobori store Art Gallery, Hiroshima, Japon
2022
“SŌYŪ” Nihombashi Mitsukoshi main store Art Gallery, Tokyo
“Atomoscape” SEIBU Ikebukuro Art Gallery, Tokyo
“Think of water” Sendai Mitsukoshi store Art Gallery, Miyagui, Japon
2021
“L’avenir du paysage” Bunkamura Box Gallery, Tokyo
2020
“Dans le paysage” Nihombashi Mitsukoshi main store Art Gallery, Tokyo
2019
“Nouvelle direction de la peinture japonaise” Suizu et Yasuhara, GALERIE 48, Lyon, France
2016
“Dialogues avec les aînés” Suizu et Yasuhara, GALERIE 48, Lyon, France
2015
Pièces Exhibition, Gallery Goto, Tokyo
2014
“L’espoir 2014 Tatsuhiro Suizu” Ginza Surugadai Gallery, Tokyo
Expositions collectives sélectionnées
2023
“Résidence de peintures japonaises” Sen-oku Hakukokan Museum Tokyo
“NEO JAPANESE PAINTINGS” Daikanyama Hillside Forum, Tokyo
“Accrochage de printemps”, GALERIE 48, Lyon, France
Japonismes 2018 “Tradition et transmission”, Médiathèque de Chamonix-Mont-Blanc, France
“La Nouvelle Vague de la peinture Japonaise” Bunkamura Gallery, Tokyo
“2018 tobi ART FAIR” Tokyo Art Club, Tokyo
“Tradition et transmission”160ème anniversaire des relations entre la France et le Japon, Hôtel de Ville de Lyon, Hôtel de Ville de St Étienne, Lyon Mairie du 3ème,France
“FACE 2018” Seiji Togo Memorial Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art, Tokyo
2017
“5th Oka-Sho Sakura Award” Exhibition, Sato Sakura Museum, Tokyo
2016
“Yamatane Museum of Art NIHONGA AWARD : Seed 2016” Yamatane Museum of Art, Tokyo
2015
“FACE 2015” Seiji Togo Memorial Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art, Tokyo
2014
INTEN* Printemps, Institut d’art du Japon, Tokyo
2013
INTEN* Saiko, Institut d’art du Japon, Tokyo
2012
INTEN* Printemps, Institut d’art du Japon, Tokyo
*INTEN : Exposition et Concours historique de peinture japonaise après sélection préliminaire organisé par l’Institut d’art du Japon.
Prix
2024
Lauréat de l’exposition Nikkei Japanese Painting Award (The 9th Higashiyama Kaii Memorial Nikkei Nihonga Award)
Réflexion(s) Extrait de l’exposition du 24 janvier au 2 mars 2019
Unwanted Plant, Livre III
Unwanted Plant, Livres I,II,III 200 x 36 cm
Coffrets
Unwanted Plant, Monotype sur toile 165 x 80 cm
Choix de petits formats Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016
dialogue entre peinture, gravure et livres d’artiste Extrait de l’exposition du 6 novembre au 23 décembre 2014
2ème salle
Orchidée 40 x 30 cm
Le trésor de Yukiko Livre d'artiste
Tel soir d'hiver Livre d'artiste
Peintures – dessins – livre d’artiste Extrait de l’exposition du 8 septembre au 13 octobre 2012
Exposion M.Tachikawa
Je travaille depuis deux ans à l’élaboration d’une série de tableaux et de livres d’artiste intitulés « Unwanted Plant » : les plantes déracinées. J’ai d’abord arraché des plantes considérées comme « de la mauvaise herbe », dont généralement les noms nous sont inconnus. Puis je les ai scannées de la fleur à la racine, dans mon atelier, en respectant chaque feuille, chaque brindille. Enfin je les ai couchées dans un livre en accordéon ou sur une toile , elles sont si grandes et si belles… Quand j’y songe, les « mauvaises herbes » ne sont pas les seules indésirables ou sans racines dans notre monde…
Motoko Tachikawa
Janvier 2019
Quand la croisée des cultures sollicite l’imaginaire d’un destin fort, la créativité donne naissance à des œuvres qui fédèrent des signes d’une richesse profonde.
De ses peintures cousues aux monotypes, de ses estampes et motifs gravés à ses livres d’artistes imprimés sur métal ou en édition numérique, Motoko Tachikawa nous entraîne au sein d’un univers qui mêle le végétal, minéral, à la recherche des lieux de vie ou de voyages.
Christophe Comentale Art & Métiers du Livre N°276 – Extrait de ” Motoko TACHIKAWA,
dialogue entre peinture, gravure et livres d’artiste”
Biographie
Artiste plasticienne japonaise. Vit et travaille à Paris.
1980 – 1986
Études à l’École des Beaux-Arts de Besançon et de Paris
1985
Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, L’ École des beaux-arts de Besançon
Expositions récentes sélectionnées
2022
“Coquelicot” Galerie – Éditions L.Mauguin, Paris
2020
“Before today was tomorrow” Galerie Mansart, Paris, Médiathèque de Quimper
2019
“Réflexion(s)” GALERIE 48, Lyon
2018
Médiathèque Landowski, Bilogne-Billancout
8th International Artist’s Book Triennial, Vilnius, Lituanie
Leipzig Book Fair, Allgmagne
Invitée au Salon d’Automne, Paris
2017 – 16
Marché de la Poésie, Paris
2016
“Livres en Mai” Espace Paul Fort, Paris
“Choix de petits formats” exposition collective, GALERIE48,Lyon
Éditions L. Mauguin, Paris
2015
Galerie Mansart, Paris
Sheffield International Artist’s Book Prize Exhibition, Royaume-Uni
2014
“dialogue entre peintures, gravures et livres d’artiste” GALERIE 48, Lyon
“Personal Histories” Redland Museum, Australie
2013
“Végétal(es)” Galerie Toutes Latitudes, Vincennes
“Art Square” Salon du livre de Paris
“Autres Rives, Autres Livres” Thionville
2012
GALERIE 48, Lyon
Bibliothèque de la Maison de la recherche, Université Paris-Sorbonne, Paris
Galerie François Mansart, Paris
Minnesota Center for Book Arts, Minneapolis, États-Unis
tous les ans depuis 2010, Salon de bibliophile contemporaine “Pages” Paris
Prix et Séjours
2022
Séjour à la résidence d’artistes – Le phare de l’île Wrac’h, Bretagne
2018
Mention Honorable, 8th International Artist’s Book Triennial, Vilnius, Lituanie
Prix des Amis du Salon d’Automne, Paris
2016
Prix des Amis du Salon d’Automne, Paris
2015
Séjour à Londres avec une bourse de l’Agence des Affaires Culturelles du Gouvernement Japonais
2012
Séjour à Cill Rialaig Residence for Artists, Irlande
2005
Séjour à Cill Rialaig Residence for Artists, Irlande
2001
Prix du jury international, Art & Science, Musée National de Pékin
2000
Prix de la Ville de Champiny-sur-Marne, Biennale d’Art Contemporaine
2ème Prix : Prix d’excellence Hydro-Québec, Biennale Internationale d’Estampes, Montréal, Canada
1996
Prix Charles et Christiane Oulmont, Fondation de France
1993
Prix de la Ville de Nice, Biennale Méditerranéenne, Nice
1988 – 89
Séjour à la Cité Internationale des Arts, Paris
Collections
Bibliothèque Nationale de France – Paris
Bibliothèque Kandinsky, Centre Pompidou – Paris
Fonds patrimonial Heure Joyeuse, Médiathèque Françoise Sagan – Paris
Fondation Florence – Paris
Bibliothèque Forney – Paris
MAC VAL – Musée d’art contemporain du Val-de-Marne
National Art Library, Victoria & Albert Museum – Londres
Wellcome Museum – Londres
Bank Street Arts, Sheffield (Royaume-Uni)
Bibliothèque Cantonale Universitaire de Lausanne (Suisse)
Cill Rialaig Project, Co Kerry (Irlande)
Bibliothèque Ulysse Captaine – Liège (Belgique)
Szent István Múzeum (Hongrie)
Hydro-Québec de Montréal
Redland Museum – Queensland (Australie)
Galerie de la Ville de Tallinn (Estonie)
Musée d’Art Moderne de Canton (Chine)
Académie des Beaux Arts de Luxun (Chine)
Tama Art University Museum – Tokyo
Bibliothèque d’Aix-en-Provence
Bibliothèque Municipale – Auxerre
Bibliothèque Municipale – Boulogne-Billancourt
Bibliothèque de Dijon
Bibliothèque de Dunkerque
Médiathèque de Joué lès Tours
Bibliothèque municipale – Landivisiau
Artothèque du Jura – Lons le Saunier
FILAC(Fonds International du Livre d’Artiste et de Création) – Marseille
Conseil Général de Martinique
ATRIUM, Centre Culturel Départemental de la Martinique
Réflexion(s) Extrait de l’exposition du 24 janvier au 2 mars 2019
Notre-Dame de Paris 22 x 16 cm
Exposition
Deux verres 20 x 25 cm
La Crue de la Seine 22 x 16 cm
Vie Silencieuse – Photographie au sténopé Extrait de l’exposition du 21 mai au 4 juillet 2015
Cinq pêches 20 x 25 cm
Ails sur un papier journal 20 x 25 cm
Magasin d'ustensiles de cuisine 32 x 40 cm
Gants de boucher 32 x 40 cm
“Réflexion(s)”
Le reflet est parfois si capricieux qu’il échappe facilement à notre rétine. Pour qu’il se dévoile, comme sous un regard attentif, et s’impressionne sur un film je recours à une boîte magique pourvue d’un trou minuscule qui s’appelle le STÉNOPÉ.
Cet appareil photo, démuni de viseur, ne peut être dit comme un prolongement de l’œil humain mais il s’avère un complice de captures d’inattendus, qui se révèleront quelques temps après, au développement. Au lieu du déclic instantané d’un reflex, la lumière perce les ténèbres lentement et silencieusement au travers de ce petit trou, pour calmement, comme les ondes à la surface de l’eau, confondre la perspective sur la plaque. Toute ma réflexion précède la prise de vue puis j’attends qu’elle se révèle dans la cuve de ma chambre noire. La complicité entre la réflexion et le sténopé me fascine toujours.
Mieko TADOKORO
Janvier 2019
Biographie
Née en 1952 à Tokyo, vit et travaille à Tokyo.
Mieko Tadokoro, sténopiste japonaise, a appris la photographie au sténopé au musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône en 1990. Depuis elle photographie principalement Paris et expose au Japon et en France. Elle s’engage dans la promotion du sténopé en donnant des cours dans les musées, centres culturels, écoles, etc., et au travers de différents médias comme des programmes TV et des magazines japonais. Ses 2 manuels* ont incité de nombreux japonais à s’essayer à cette technique. Les lycées japonais des beaux-arts adoptent ses photographies au sténopé de 2007 à 2010 dans leurs livres scolaires.
Membre de l’Association pour la Photographie Ancienne et ses Techniques (A.P.A) depuis 1995 / Marraine de la première année du CAP photo du Lycée Professionnel Quinault, Paris, 1999-2000 / Présidente de « Japan Pinhole Photographic Society », l’association des amateurs du sténopé.
Bibliographie : Manuels* « Photographie au sténopé », Bijutsu Shuppan-sha, Japon, 1993
« Prendre une photographie au sténopé », Ondori-sha, Japon, 1998
Livres de photos : « Hariana-no-Paris » (Paris au sténopé), Kawade Shobo Shinsha, 2006 « Ichiyo ni Aitakute (I want to meet Ichiyo) », Kawade Shobo Shinsha
Expositions personnelles
2019
“Réflexion(s)” GALERIE 48, Lyon France
2018
“Paris, Another Point of View” Gallery Bauhaus, Tokyo
2016
“SHOW-WINDOWS/PINHOLE PHOTOS” Monochrome Gallery Rain, Tokyo
“Les trente-six vues sténopéiques de la Tour Eiffel” Jike Studio, Yokohama
2015
“VENEZIA / FORO STENOPEICO” Monochrome Gallery Rain, Tokyo
“La vie silencieuse” GALERIE 48, Lyon, France
2013
“Paris Autrement” L’Agnes Hotel, Tokyo
2012
“Tableau et Table” Hyatt Regency, Tokyo
“Paris imparfait” Jike Studio, Kanagawa, Japon
Mieko Tadokoro’s “A Retrospective” Art Chamber Gallery, organisée par Goa Centre for Alternative Photography, Goa, Inde
2007
“I want to meet Ichiyo” Pola Museum Annex, Tokyo
2006
“Natures Mortes” Pola Museum Annex, Tokyo
2005
“Réflexions Parisiennes” parrainée par l’Ambassade de France au Japon, Pola Museum Annex, Tokyo
Gravures d’aujourd’hui – Six artistes contemporains Pierre ALECHINSKY – Hervé DI ROSA – Speedy GRAPHITO – Carl-Henning PEDERSEN – Gottfried SALZMANN – Richard TEXIER Extrait de l’exposition du 10 septembre au 29 octobre 2016
Richard TEXIER
Exposition
La mer ce soir 53 x 43 cm
Exposition
Funambule 50 x 33 cm
Biographie
Né en 1955 à Niort (Deux-Sèvres). Vit et travaille à Paris.
Partage son enfance entre le littoral atlantique et le marais Poitevin.
Nomade, les résidences et ateliers à travers le monde sont autant d’occasions de peindre, sculpter, créer des tapisseries, de réaliser des films pour des expositions ou des commandes publiques.
TOKUNAGA / PIASENTIN NEW WORKS Extrait de l’exposition du 18 novembre au 6 décembre 2025
Source 91 x 60.6 cm
Souffle du vent 27.3 x 27.3 cm
Eaux sereines 53 x 45.5cm
Au-delà des rivages – L’intersection de la lumière et de la structure Extrait de l’exposition du 16 septembre au 4 novembre 2017
Au-delà des rivages 112 x 112 cm
Exposition
Joie 53 x 53 cm
Jardin 60.6 x 60.6 cm
Choix de petits formats Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016
Exposition
Peacock blue 22 x 12 cm
Blue violet 22 x 12 cm
Baby pink 22 x 12 cm
Hasard et Nécessité Extrait de l’exposition du 19 mars au 16 mai 2015
Awakening 116.7 x 80.3 cm
Exposition
Apparition du claire de lune 60,6 x 50 cm
Résonance 80,3 x 130,3 cm
Les possibles offertes par la forme géométrique
Les superpositions de tissus colorés semblent se balancer dans le vent. Et laissent entrevoir de la lumière de l’autre côté. Parfois, celle-ci se concentre en un halo lumineux mouvant. Et l’on peut se demander si elle n’est pas d’un autre monde. La peinture de Toko Tokunaga laisse notre imagination courir librement, tout en nous laissant un sentiment de frustration qu’elle n’en montre pas plus. Mais n’est-ce pas un trait du caractère japonais ?
Les points, les lignes, les surfaces sont justes des éléments géométriques fictifs qui ont perdu leurs dimensions propres. Mais Toko Tokunaga sait que ces éléments vont échapper aux intentions de l’artiste, pour devenir des représentations de bien différentes tailles et formes de ses expériences et de ses souvenirs. Ainsi Toko Tokunaga ne se préoccupe plus de l’image, tout en poursuivant inconsciemment une vive mise en forme de sa mémoire : elle jouit de sa peinture.
Que de mystères nés du pouvoir de façonnage de l’artiste, splendide fusion de son identite japonaise et des fruits de 17 ans recherches parisiennes.
Taizai MIZUKAMI 2017
Professeur de peinture à l’huile
Université d’art de Musashino, Tokyo
Le thème principal de mon travail est la mémoire, ses éléments picturaux et ses gestes. Ces dernières années, j’essaie de visualiser en couleur les fragments de mémoire qui flottent dans l’esprit des hommes. Je les ai capturés, je les ai mémorisés, avec l’idée de construire des visuels du monde de la mémoire qui ne peuvent être exprimés avec des mots.
Pourquoi ai-je choisi la couleur comme un des éléments essentiels de ma création ? Parce que mes expériences créatives m’ont permis de ressentir le sentiment concret de puissance et le pouvoir de persuasion de la couleur. J’utilise la peinture vinylique < Flashe > de Lefranc & Bourgeois sur une « toile coton semi-absorbante » préparée par mes soins.
La concordance et la réciprocité entre mon matériel et le thème de la mémoire devient un élément essentiel à ma création. Aujourd’hui, à travers ma peinture, je constate que les matériaux et les thèmes expriment toujours mieux, toujours plus, leur cohérence.
Toko Tokunaga 2017
Biographie
Née à Tokyo au Japon en 1967, vit et travaille à Tokyo, après avoir résidé en France de 1991 à 2007.
1995
École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, Diplôme DNSAP
Atelier Claude VIALLAT, Atelier Henri CLEMENT et Monique PONCELET, Atelier Pierre CARRON
1991
Université des Arts de Musashino, Tokyo, Licence d’Arts Plastiques
Prix
2008
Prix IBERICA, NY Coo Gallery, New York, États-Unis
2001
Reçu de l’aide de projet soutenu par la Fondation d’art POLA, Tokyo, Japon pour «Mémoire de la couleur au Moyen Age dans le Sud de la France »
1993
Prix de Dessin Pierre David-Weill, Académie des Beaux-Arts, Paris
Expositions solos
2025
“Tokunaga / Piasentin New Works” GALERIE 48, Lyon.
Dialogue d’artistes, Paris-Ôsaka, Ôsaka-Paris Extrait de l’exposition du 8 septembre au 27 octobre 2018/p>
Water in a cove 26 x 24 x 18 cm
Exposition
Murmure de la terre 32 x 50 cm et 38 x 56 cm
Fossile 11,5 x 11,5 x 15 cm
Tout ce dont j’ai besoin pour travailler, c’est la simple vue de ce qui m’entoure, au-dessus de moi, en-dessous. Dans mon for intérieur, la complexité et l’immédiateté des pensées, des inspirations, des images virtuelles n’aspirent qu’à être débloquées. Dans cette logique, ils deviennent une peinture, une aquarelle, une plaque gravée, un livre, une pierre taillée, quelque chose de tangible pour en laisser une trace.
Kate VAN HOUTEN
Kate Van Houten suit des études de sculpture en Italie, à Milan. Suite à sa formation en Europe, elle passe par Paris et apprend la gravure sur cuivre et sur zinc ainsi que la sérigraphie dans l’Atelier 17. Elle pratique la gravure, les peintures, le dessin, les livres d’artiste. Dans les années 1990, un nouveau terrain s’ouvre à elle avec la pierre. Sa sculpture est façonnée en découvrant la forme de la pierre. Kate Van Houten explore la forme et la terre avec plusieurs moyens d’expression. Elle épouse à Paris l’artiste japonais Takesada Matsutani et se considère au carrefour de trois cultures : américaine, européenne et japonaise.
GALERIE 48
Biographie
Née dans le New Jersy aux États-Unis en 1940. Vit et travaille à Paris.
1958 – 61
Western College for Women, Miami University, Ohio, Etats-Unis
1963 – 65
Academia de belle Arte, La Bera, Milan, Italie
1967
Entrer dans l’Atelier 17, atelier de gravure dirige par Stanley Wiliam Hayter à Paris
1970
Ouvre, avec une amie, Lorna Taylor, un atelier de sérigraphie dans Paris 14eme. Takesada Matsutani y participera plus tard.
1996
Crée Estepa Editions comme véhicule de collaboration avec des artistes, des écrivains et des traducteurs
Bourse
2001,1999
Résidence à la Fondation D.A.N.A.E, Gijon, Espagne
1996,95,93
Stone Cutting Workshop, Stockholm Accademy, Gotland, Sweden
1994
Résidence à Nikko, Yamanashi, Japon
Résidence à la Fondation D.A.N.A.E. Janac, France
1985
Women’s Studio Workshop, The Artist’s Book Residency, New York, États-Unis
Depuis sa première exposition en 1968 à la Galerie Zunini à Paris, Kate Van Houten n’a cessé d’exposer en France, au Japon, aux État-Unis et en Europe dans diverses galeries.
2018
“Matsutani – Van Houten, Dialogue d’artistes, Paris-Ôsaka, Ôsaka-Paris” GALERIE 48, Lyon, France
Despalles Editions, Paris, France
2017
“Unlocking” Gallery Yamaki Fine Art, Kobe, Japon
2014
Eliane Fervet, Paris, France
2012
“Other Horizons” American University of Paris, France
2011
Galerie 49, Saumur, France
2009
LADS Gallery, Osaka, Japon
2007
Kaneko Art Gallery, Tokyo, Japon
2006
LADS Gallery, Osaka, Japon
2005
“Kate Von Houten»” Atelier 36, Charleroi, Belgique
2002
“Pierre. Plâtre. Dessin” Kaneko Art Gallery, Tokyo, Japon
2001
“Une pièce nomadique” LADS Gallery, Osaka, Japon
Gallery Tamura, Hiroshima, Japon
1999
“Cosmogonie” Fondation DANAE, Gijon, Espagne
1998
Loro Gallery, Kakogawa, Japan
1997
“Pulsations”, Le centre d’arts plastiques Albert Chanot, Clamart, France
Kaneko Art Gallery, Tokyo, Japon
1996
Galleri Bäkalyckan, Mariana Manner & Kate Van Houten Jönköping, Suède
Expositions collectives 2018 – 2006 ( sélection )
2018
Shefter Gallery, Cracow, Pologne
2016
Fredrick Müller Gallery, Franckfurt, Allemagne
2015
JARFO ART FORUM, Kyoto, Japon
2014
Handmade Books, Pace Université & Université de Wyoming, États-Unis
2012
Outotsu et ses invites, Cite des arts international, Paris, France
2011
Artists’ Books from Women’s Studio Workshop, New York, États-Unis
2010
“L’Amour de Goya” Galerie GPE, Paris, France
“Texto-Images” San Jose Costa Rica et San Francisco, États-Unis
2008
“Albâtre” Symposium et Exposition itinérante, Volterra, Italie
2007
“3 European women” Don Soker Gallery, San Francisco, États-Unis
2006
Don Soker Gallery, San Francisco, États-Unis
Expositions internationales d’estampes
2017
Impressions depuis Paris, Siauliai, Lituanie
2007,03
Chamalier, Auvergne, France
1996
4th Biennial of Graphic Art, Belgrad
1995
Biennale Internationale, Bhopal, India
1984
Norsk Biennale Internationale, Oslo, Norvège
1983
Biennale Internationale, Taipei, Taiwn
1981, 77, 71
Biennale Internationale d’Art Graphique, Ljublijana, ex-Yougoslavia
1980
Biennale Internationale, Florence, Italie.
3ème Biennale at Conde-Bonsecours, Belgique
1978,76,74
Biennale Internationale d’Art Graphique, Cracow, Pologne
1972
L’estampe à la Biennale de Venice, Italie
Biennale, Bradford, Royaume-Uni
Paris Grand Prix, Galerie du Haut-Pavé, Paris, France
Collections publiques
France
Musée Municipale de la Ville de Paris
Ministère des Affaires Culturelles
Bibliothèque Nationale de Paris (Cabinet d’Estampes)
Musée du Patrimoine, La Roche sur Yon, France
Bibliothèque de Gagny, Gagny
Assistance Publique, Paris
Collection Doucet, Paris (livre d’artiste)
États-Unis
Free Libraries of Boston and Philadelphia & New York.
The Chase Manhattan Bank. New York
New York Public Library, New York
Scripps, New York
Stanford University, Califorinia
Tampa Museum, Florida
Library of Congress, Washington, D.C.
Europe
Centre de la Gravure et de l’Image Imprimée, La Louvière, Belgique
KIMONO Extraits de l’exposition du 8 novembre au 22 décembre 2018
Exposition
Kimono saphir 100 x 100 cm
Espace vert 100 x 100 cm
Kimono 100 x 100 cm Puf 24 x 33 cm
Cette artiste livre son monde intime en une abstraction construite, une palette d’une grande finesse et une pâte qui offre tour à tour matité et transparences avec de délicats passages. L’on pénètre dans cet univers, savourant la beauté un peu magique de ces œuvres finement travaillées en une matière domptée avec virtuosité.
Globalement non figurative, quelques légers signes concrets la rattachent toutefois à une mémoire. Il s’agit d’émotion, d’impression qu’exprime Catherine Vindy ; une histoire personnelle et universelle avec le sens de l’ellipse. Les toiles sont animées par une mystérieuse présence ; dans la géométrie de leur construction, elle laissent libre le choix de l’interprétation. Alliée précieuse, la lumière qui sourd de la forme sculpte les reliefs dans une subtile gamme colorée très délicate. Cette création silencieuse à l’indéniable esthétique s’offre dans le silence à notre réflexion. Elle convoque l’imaginaire, des bribes de souvenirs et témoigne du pouvoir de la peinture sans le secours de la figuration dans l’enchantement des formes imprévues.
Prix Monique Corpet 2018
Fondation Taylor, Paris
Biographie
Née à Dijon en 1951 et vit et travaille à Paris.
Distinctions
2018
Prix Monique Corpet, Fondation Taylor, Paris
2009
Grand Prix du Salon du Vésinet, Le Vésinet, Île-de-France
Prix du Salon des Beaux- Arts de Garches, Île-de-France
2002
Prix du Conseil général Verneuil-sur-Seine, Île-de-France
2001
Prix du Conseil général Triel-sur-Seine, Île-de-France
Expositions
2018
“KIMONO” GALERIE 48, Lyon
Salon Comparaisons, Grand Palais, Paris
Exposition personnelle, Galerie Art du temps, Drome
Exposition des lauréats, Fondation Taylor, Paris
2017
Galerie Luxart, Arlon, Belgique
2016
Artiste exposée à l’émission “thé ou café” sur France 2
Salon Arami Ermont, Île-de-France
“Inauguration” Galerie Luxart, Arlon, Belgique
2015
Salon Réalités Nouvelles, Paris
2014
Exposition personnelle, Galerie Art du temps, Drome
Salon Réalités Nouvelles, Paris
Exposition personnelle, Galerie Artligre, Paris
2013
Artiste exposée a l’émission “thé ou café” sur France 2
Salon Arami Ermont, Île-de-France
2011
Exposition à la Biennale d’Art et de littérature du Caire, Égypte
Exposition Petits Formats, Académie 25, Paris
Artiste invitée à Auvers sur Oise
Salon des Beaux Arts de Garches, Île-de-France
2010
Galerie Claire de Villaret, Paris
“Petits formats” Académie 25, Paris
Salon Comparaisons, Grand Palais, Paris
2001
Sélectionnée pour le Salon des salons de Versailles (Yvelines)
