Gravures d’aujourd’hui – Six artistes contemporains
Pierre ALECHINSKY – Hervé DI ROSA – Speedy GRAPHITO – Carl-Henning PEDERSEN – Gottfried SALZMANN – Richard TEXIER
Extrait de l’exposition collective du 10 septembre au 29 octobre 2016

Richard TEXIER

Né en 1955 à Niort (Deux-Sèvres). Vit et travaille à Paris.
Partage son enfance entre le littoral atlantique et le marais Poitevin.
Nomade, les résidences et ateliers à travers le monde sont autant d’occasions de peindre, sculpter, créer des tapisseries, de réaliser des films pour des expositions ou des commandes publiques.

TOKUNAGA / PIASENTIN NEW WORKS
Extrait de l’exposition du 18 novembre au 6 décembre 2025

Au-delà des rivages – L’intersection de la lumière et de la structure
Extrait de l’exposition du 16 septembre au 4 novembre 2017

Choix de Petits formats
Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016

Hasard et Nécessité
Extrait de l’exposition du 19 mars au 16 mai 2015

Après huit ans d’absence, j’ai le plaisir de présenter une nouvelle exposition personnelle à Lyon, ville qui occupe une place particulière dans mon parcours artistique. Dans le contexte post-pandémique, cette exposition établit un dialogue entre la France, où mes racines artistiques se sont formées, et le Japon, où je poursuis ma recherche picturale.
Guidée par l’intention de saisir et de rendre visibles les fragments de « mémoire » flottant dans mon esprit, je poursuis l’exploration de ce thème sous différentes perspectives. Pour moi, le processus de création consiste à relier, à travers la répétition, les fragments de mémoire dispersés, leur donnant ainsi forme et présence.
Mêlant expériences passées, gestes corporels et interactions chromatiques, le processus créatif commence par une première couleur posée sur la toile, qui en appelle une autre et se superpose, formant de nouvelles trajectoires. L’accumulation de ces couches reconstruit visuellement la mémoire et ouvre la voie à de nouvelles images colorées. C’est là le cœur de la création et l’illustration concrète de ce que j’appelle « processus = mémoire ».

Toko Tokunaga 2025

Les possibles offertes par la forme géométrique

Les superpositions de tissus colorés semblent se balancer dans le vent. Et laissent entrevoir de la lumière de l’autre côté. Parfois, celle-ci se concentre en un halo lumineux mouvant. Et l’on peut se demander si elle n’est pas d’un autre monde. La peinture de Toko Tokunaga laisse notre imagination courir librement, tout en nous laissant un sentiment de frustration qu’elle n’en montre pas plus. Mais n’est-ce pas un trait du caractère japonais ?
Les points, les lignes, les surfaces sont justes des éléments géométriques fictifs qui ont perdu leurs dimensions propres. Mais Toko Tokunaga sait que ces éléments vont échapper aux intentions de l’artiste, pour devenir des représentations de bien différentes tailles et formes de ses expériences et de ses souvenirs. Ainsi Toko Tokunaga ne se préoccupe plus de l’image, tout en poursuivant inconsciemment une vive mise en forme de sa mémoire : elle jouit de sa peinture.
Que de mystères nés du pouvoir de façonnage de l’artiste, splendide fusion de son identite japonaise et des fruits de 17 ans recherches parisiennes.

Taizai MIZUKAMI 2017
Professeur de peinture à l’huile
Université d’art de Musashino, Tokyo

Née à Tokyo au Japon en 1967, vit et travaille à Tokyo, après avoir résidé en France de 1991 à 2007.

Dialogue d’artistes, Paris-Ôsaka, Ôsaka-Paris
Extrait de l’exposition du 8 septembre au 27 octobre 2018/p>

Tout ce dont j’ai besoin pour travailler, c’est la simple vue de ce qui m’entoure, au-dessus de moi, en-dessous. Dans mon for intérieur, la complexité et l’immédiateté des pensées, des inspirations, des images virtuelles n’aspirent qu’à être débloquées. Dans cette logique, ils deviennent une peinture, une aquarelle, une plaque gravée, un livre, une pierre taillée, quelque chose de tangible pour en laisser une trace.

Kate VAN HOUTEN

Kate Van Houten suit des études de sculpture en Italie, à Milan. Suite à sa formation en Europe, elle passe par Paris et apprend la gravure sur cuivre et sur zinc ainsi que la sérigraphie dans l’Atelier 17. Elle pratique la gravure, les peintures, le dessin, les livres d’artiste. Dans les années 1990, un nouveau terrain s’ouvre à elle avec la pierre. Sa sculpture est façonnée en découvrant la forme de la pierre. Kate Van Houten explore la forme et la terre avec plusieurs moyens d’expression. Elle épouse à Paris l’artiste japonais Takesada Matsutani et se considère au carrefour de trois cultures : américaine, européenne et japonaise.

GALERIE 48

Née dans le New Jersy aux États-Unis en 1940. Vit et travaille à Paris.

Depuis sa première exposition en 1968 à la Galerie Zunini à Paris, Kate Van Houten n’a cessé d’exposer en France, au Japon, aux État-Unis et en Europe dans diverses galeries.

KIMONO
Extraits de l’exposition du 8 novembre au 22 décembre 2018

Cette artiste livre son monde intime en une abstraction construite, une palette d’une grande finesse et une pâte qui offre tour à tour matité et transparences avec de délicats passages. L’on pénètre dans cet univers, savourant la beauté un peu magique de ces œuvres finement travaillées en une matière domptée avec virtuosité.
Globalement non figurative, quelques légers signes concrets la rattachent toutefois à une mémoire. Il s’agit d’émotion, d’impression qu’exprime Catherine Vindy ; une histoire personnelle et universelle avec le sens de l’ellipse. Les toiles sont animées par une mystérieuse présence ; dans la géométrie de leur construction, elle laissent libre le choix de l’interprétation. Alliée précieuse, la lumière qui sourd de la forme sculpte les reliefs dans une subtile gamme colorée très délicate. Cette création silencieuse à l’indéniable esthétique s’offre dans le silence à notre réflexion. Elle convoque l’imaginaire, des bribes de souvenirs et témoigne du pouvoir de la peinture sans le secours de la figuration dans l’enchantement des formes imprévues.

Prix Monique Corpet 2018
Fondation Taylor, Paris

Née à Dijon en 1951 et vit et travaille à Paris.

Contemplation
Extrait de l’exposition du 14 septembre au 26 octobre 2019

En contemplatif, amoureux de la nature, de hameaux isolés, de silence, Teruhisa YAMANOBE chante une mélodie simple et agreste. En regardant ses tableaux, l’on songe à une phrase d’André Malraux qui semble si bien leur convenir : “Toute oeuvre figurative se réfère à ce qu’elle figure et devient œuvre d’art par ce qui l’en sépare”. L’artiste possède le sens d’une lumière parfaitement répartie qui communique la vie aux éléments. D’une grande délicatesse, cette peinture sublime dessin et couleurs, oscille entre un flou voulu enveloppant prés, arbres, et la vérité du graphisme loin du pittoresque facile ; elle tente de cerner l’insondable mystère de la nature. Rien ne vient troubler la sérénité de ces lieux où la lumière éternise l’instant. Teruhisa YAMANOBE semble fasciné par cette mystérieuse beauté ; son pinceau semble parfois effleurer le support. C’est l’éblouissement d’un pommier en fleurs peint comme il évoquerait un portrait et occupant tout l’espace ou bien le peintre capte le vent agitant des oliviers en une expression dynamique.
Cet artiste fixe l’aspect fugitif d’un instant aussi bien que l’éternité dans une sorte de recueillement admiratif.

Fondation Taylor 2018

Né en 1956 à Fukushima, Japon.
Vit et Travaille à Paris depuis 1988.

Nouvelle direction de la peinture japonaise
Extrait de l’exposition du 16 mai au 29 juin 2019

Choix de Petits formats
Exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016

Dialogues avec les aînés
Peinture japonaise traditionnelle par deux jeunes peintres nippons
Extrait de l’exposition du 19 mai au 2 juillet 2016

Je peins tous les jours pour exprimer la beauté de ma terre japonaise. Je suis surtout fasciné par le marronnier et le hêtre du Japon, mais aussi par les arbres qui poussent à l’état sauvage au fond des vallées montagneuses ; j’ai peint de nombreuses œuvres sur ce thème. Je pense que les meilleurs choix de matériaux et de techniques pour interpréter la nature japonaise restent ceux du Nihon-ga. Ce savoir-faire du Nihon-ga s’est transmis jusqu’à nous depuis plus de 1000 an. C’est une longue tradition de style de peinture sans équivalent dans le monde. La technique est simple mais cette simplicité permet justement de donner une tension à la ligne et de souligner la qualité des matériaux. Peindre ainsi est toujours une découverte, je profite de la texture du papier japonais et des beautés des minéraux naturels comme le vert et le bleu du lapis-lazuli.Je peins un univers qui s’enveloppe de silence.

Shigemi Yasuhara
Mai 2019

Né à Saitama, Japon en 1984.

*INTEN : Exposition et Concours historique de peinture japonaise après sélection préliminaire organisé par l’Institut d’Art du Japon.