Résonance de  la 15^ème Biennale d’art contemporain de Lyon
Exposition du 18 septembre au 5 octobre 2019 au loft 4.40 a Lyon

Takesada MATSUTANI au Centre Pompidou a Paris du 25 juin au 23 septembre 2019

Dialogue d’artistes, Paris-Ôsaka, Ôsaka-Paris
Extrait de l’exposition du 8 septembre au 27 octobre 2018 – Gravures

Matsutani Takesada se forme d’abord à la peinture traditionnelle japonaise Nihonga mais développe rapidement un intérêt pour l’art abstrait. Eminent représentant de l’art contemporain japonais, il fait partie du groupe d’avant-garde GUTAI.
Le travail créatif de Matsutani explore des techniques variées, notamment avec une utilisation unique de la colle vinylique et du graphite, les outils de prédilection de l’artiste, ou la conception d’installations monumentales et de performances. Mais la pratique de l’estampe est restée au fil des années l’un des domaines favoris de Matsutani, et a également donné lieu à des collaborations régulières avec des éditeurs et auteurs pour la production de livres d’artistes.
GUTAI était un groupe d’avant-garde formé en 1954 dans la région du Kansai, dont Osaka est la capitale par un ensemble de jeunes artistes. L’association était dirigée par le peintre pionnier de l’art abstrait Jirô Yoshihara (elle a été dissoute en 1972). Le nom “Gutai” était destiné à “présenter des preuves concrètes que notre esprit est libre”. La signification littérale du mot “gutai” est “concret”. Yoshihara exigeait sans relâche des membres un art n’ayant jamais existé et de nature abstraite. Il a organisé de nombreuses expositions et événements dans des parcs, sur scène et même dans le ciel. Les artistes ont réagi en produisant une succession d’œuvres créatives et innovantes enracinées empreintes d’idées fantastiques. Bien que les activités des artistes aient été, à l’époque, largement ignorées au Japon, le groupe a été acclamé à l’étranger et le nom « GUTAI » a été largement reconnu dans le monde de l’art occidental à la fin des années 50.

GALERIE 48

Né à Osaka, Japon en 1937, vit et travaille à Paris, France.

Matsutani participe à toutes les expositions du groupe de Gutai du 1960 au 1972.
Depuis sa première exposition personnelle en 1963 à Osaka, Japon, il entreprend une carrière internationale qui lui vaut un grand renom. Ses peintures sont représentées aujourd’hui en permanence en France, en Europe, au Japon, en Amérique du Sud et du Nord.

Accrochage de Printemps
Extrait de l’exposition collective du 21 mars au 4 mai 2019

Le bel été
Extrait de l’exposition du 22 mai au 3 juillet 2014

Dès l’âge de 17 ans dans les salons provençaux, Alain Menghini avait déjà côtoyé le milieu artistique en présentant ses œuvres en compagnie de son père, artisan d’Art et peintre. Sa première exposition personnelle aura lieu en 1968 à Paris, d’autres viendront : en France, à l’étranger, particulièrement au Japon, en Suisse, en Belgique.
Il a l’honneur des cimaises du Musée du Luxembourg pour une exposition personnelle en 1990. En 2003, il voit la chapelle de l’Ascension qu’il a décorée à l’Île-Saint-Denis consacrée et utilisée par la petite communauté des sœurs qui jouxte ce nouvel édifice.
Après une période de jeunesse où la peinture paraît être une introspection, voire une catharsis, où des personnages apparaissent ou disparaissent au milieu de monuments, Alain Menghini tourne son regard vers l’extérieur, le monde, un monde de plus en plus proche, son monde, fait au fil des années d’êtres chers, d’animaux familiers, d’objets simples, d’un jardinet qu’il affectionne.
Il aura au cours de sa vie côtoyé de nombreux artistes et pour ne citer que les peintres lyonnais, il aura reçu les encouragements de Fusaro lors d’une de ses premières expositions. Il a exposé avec Cottavoz, partagé les cimaises de la Galerie Bellefontaine de Lausanne avec Truphémus, Lesieur, Boncompain avec qu’il est lié d’amitié, amitié aussi qui l’attache aux peintres Christin et Maly que les lyonnais connaissent bien.

GALERIE 48

Né en 1945 à Aubagne. Vit et travaille à Paris.
Etudes artistiques à Marseille et à Paris.

A participé à diverses expositions de groupe en France et à l’étranger.
Œuvres au Musée Simon Segal, Aups (Var), au Musée de Bagnols-sur-Cèze (Gard), dans les collections du Sénat et pour le Fond Patrimonial de la Ville de Corbeil.

Gentle Waves
Jane Norbury – Tatsuhiro Suizu – Hiromi Kuboi
Extrait de l’exposition du 25 mai au 15 juin 2024

INTERFACE DU VIVANT
Extrait de l’exposition du 9 novembre au 23 décembre 2017

Pendant mes études de céramique aux beaux-arts en Angleterre, j’ai fait un échange avec les beaux-arts d’Aix en Provence. Les rencontres de l’époque ont été décisives, et lors de  mon séjour dans l’atelier de Bernard Dejonge, j’ai envisagé le rêve d’un lieu de création pour moi en France. En 1991, j’ai transféré mon atelier, du centre ville de Londres à l’environnement rural de la Saône et Loire. Le changement de pays, le défrichage d’un terrain abandonné et la proximité avec la nature, m’a permis d’approfondir un travail en terre en relation avec la végétation et l’espace environnant. Ma matière d’expression reste toujours l’argile mais mon travail traverse les frontières : sculptures, installations, performances.

Après 40 ans de travail avec l’argile, je me rapproche de plus en plus de la possibilité de laisser mon corps, mon esprit et le matériau travailler ensemble, en tandem, sans qu’un ne domine l’autre. Au fil des ans, j’ai bénéficié de la pratique du yoga et j’ai réalisé que la peau de mon corps est une feuille connectée et qu’une manipulation d’une partie du corps affecte l’ensemble, que la peau est la membrane qui nous contient et qui est en contact avec le monde extérieur. Dans mes sculptures en argile actuelles, j’explore une énergie similaire entre les espaces intérieurs et extérieurs, et le mouvement créé par leur dynamique centrale.

J’ai commencé à développer des sculptures où les plis autour de l’espace central devenaient plus amples et plus importants, inspirant et expirant, et conférant une plus grande énergie au volume interne. C’est la série actuelle que j’appelle Walking skin. Travailler à plus grande échelle amplifie les mouvements provoqués par les manipulations des plaques d’argile malléables et permet à la vague du mouvement de se développer. En construisant à la main sur les formes émergentes et en suivant les moments initiaux, je permets aux ondulations de se développer en forme plus grande et plus inattendues. Je travaille les pièces à l’envers dans une forme contraignante et ne vois la pièce finie que lorsque je la retourne à la fin du processus. De cette façon, l’argile m’offre des surprises que je n’aurais pas pu imaginer.

Jane Norbury, céramiste et plasticienne, 2024

Née 1958 a Maidstone au Royaume – Uni, Vie et travail à Saisy, Saône-et-Loire, Bourgogne.

KIMONO
Extraits de l’exposition du 8 novembre au 22 décembre 2018

Depuis mon adolescence, je confectionne et couds à la main des kimonos, des haoris (vestes portées sur kimono) et des obis (ceintures de kimono) dans la plus pure tradition japonaise à partir de tissus japonais de fabrication artisanale. Je connais bien les lignes directrices ancestrales rigoureuses qui assignent que ” le kimono doit être comme-ci ou comme-ça”, de sorte que le monde du kimono traditionnel avec ses règles fort strictes n’accepte pas volontiers l’innovation. Mais ayant vu parfois portés sans allure des haoris traditionnels sur des vêtements occidentaux, j’ai eu envie de créer un haori élégant qui conviendrait sans discordance tant aux kimonos qu’à divers autres styles de vêtements. C’est ainsi que je me suis attachée à faire de nouvelles créations, inspirées par la liberté et la sensibilité des français pour la beauté dans ce pays où je vis depuis mon mariage. Pour mes créations, je sélectionne soigneusement les plus belles matières françaises et japonaises.
En épilogue, je crois pouvoir dire que c’est le tissu qui m’a amenée en France, ce pays animé d’esprit et de goût qui reconnait et admire les belles choses, au-delà de toute considération d’époque, d’âge, ou de géographie, et où l’on peut s’exprimer en toute liberté. Finalement, je pense pouvoir dire qu’il a avivé ma passion pour les tissus, et développé en moi le sens de la beauté. Au Japon, je souhaiterais insuffler un vent nouveau dans le monde du kimono classique avec les plus beaux tissus français. En France, j’aimerais faire connaître la beauté des fabrications japonaises.

Yuco OYA-SATO

Née à Wakayama au Japon en 1969, vit et travaille à Sélestat en France.

PIASENTIN / TOKUNAGA NEW WORKS
Extrait de l’exposition du 18 novembre au 6 décembre 2025

Au-delà des rivages – L’intersection de la lumière et de la structure
Extrait de l’exposition du 16 septembre au 4 novembre 2017

Choix de Petits formats
Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016

Au centre de ma pratique réside la tension entre perturbation et contrôle. La présence physique, presque agressive, des matériaux transforme chaque œuvre en objet plus qu’en image. Construire et déconstruire – ajouter, retirer, retravailler – remplacent toute approche linéaire ou purement additive de la peinture. Les formes restent en mouvement : elles émergent, se dissolvent et se transforment sous la poussée et la traction du processus.

Pour moi, peindre est une conversation visuelle vécue entre moi et les matériaux. Elle est improvisée, réactive – une culture de l’inattendu – où chaque décision façonne et se laisse façonner par ce qui l’a précédée. Ce dialogue traduit une confiance profonde dans l’intuition, dans la guidance silencieuse de ce qui est nécessaire et vrai.
Qu’il s’agisse d’événements vécus, d’espaces imaginés ou de relations mémorisées, mon travail n’impose pas d’interprétation unique. Il ouvre un espace – pour l’association, pour l’incertitude, pour un regard renouvelé. Tout comme ma vie est le produit de l’environnement que je traverse et habite, chaque peinture est un acte de témoignage – à la fois revoir et découvrir pour la première fois.

Joseph PIASENTIN, 2025

Joseph Piasentin

Les collages peints de Joseph Piasentin réjouissent le regard en laissant apercevoir la joie sans mélange que l’artiste éprouve au cours du processus créatif. Son travail s’inspire de la diversité des matériaux qu’il choisit. II dialogue avec leurs ressources tactiles, leurs textures, leurs motifs et leurs couleurs pour aboutir à un objet à la fois intime et plein de variété. Chaque couche estompe et révèle en même temps un travail sous-jacent et magistral, base sur laquelle l’œuvre prend forme. L’intuition s’affirme à mesure que l’artiste élabore sa composition, et de là naît un chef-d’œuvre.
Pour reprendre les propres mots de l’artiste : « Je considère mon travail comme un résultat de ce que je suis. Ce n’est pas une image, mais plutôt un objet qui se crée à partir d’un amalgame entre les matériaux et la réponse que je leur apporte ; entre les matériaux et ma réaction à eux et avec eux. Bien que des associations se produisent éventuellement, le résultat de la combinaison de ces matériaux, y compris la peinture, n’imite rien mais trouve une certaine réalité autonome. »
Chaque pièce est une mélodie visuelle qui nourrit l’âme par ses rythmes optiques. Elle installe un va-et-vient de relations spatiales par un recours maîtrisé aux vibrations des couleurs contrastantes . La profondeur qui en résulte est une métaphore des riches expériences qui se superposent dans la vie, un aperçu du processus qui célèbre la vertu la plus élémentaire de celle-ci – être dans le moment.

Donna Granata, 2017
Fondateur / Directeur exécutif
Focus on the Masters

Né en 1950 aux États-Unis à San Mateo en Californie. Vit et travaille à Ojai en Californie.

Gravures d’aujourd’hui – Six artistes contemporains
Pierre ALECHINSKY – Hervé DI ROSA – Speedy GRAPHITO – Carl-Henning PEDERSEN – Gottfried SALZMANN – Richard TEXIER
Extrait de l’exposition collective du 10 septembre au 29 octobre 2016

Né en 1913 et décédé en 2007 à Copenhage au Danemark.
L’un des principaux artistes danois de la seconde moitié du 20e siècle, membre clé du mouvement CoBrA (Copenhague – Bruxelles – Amsterdam) entre 1948 et 1951.
Sa peinture est vive et spontanée, on l’a dénommé le « Chagall de Scandinavie ».  Redécore, dans les années 80, la cathédrale gothique de Ribe au Danemark.

Paysages introspectifs – Saison 5
Exposition collective du 20 mars au 17 mai 2014

PERCEPTIONS – Saison 5
Extrait de l’exposition du 1er décembre au 28 décembre 2012

Zingaro
Extrait de l’exposition du 10 mars au 15 avril 2012

“Je suis préoccupé par l’étymologie même du terme photographie, il est bien question de peindre, de dessiner. Ainsi la notion d’auteur demeure centrale dans mon travail, si j’ai choisi le médium photographique, c’est pour déconstruire son caractère mécanique, réintroduire la part de l’artiste qui utilise la lumière comme une matière picturale. Les monotypes que je réalise subissent divers traitements, qui les rendent uniques mais tout en renforçant leur spécificité photographique. J’agis avec la chimie comme un peintre avec sa palette, celle-ci est toujours le réceptacle (le révélateur) de la lumière avec laquelle je dessine.”

Antoine Poupel

Je me suis promené au gré des saisons à travers le Japon, parfois en France.
Au cours de quatre voyages j’accumule des images, vu de nombreux lieux, et souvent représenté des aspects du paysage.
Le thème des saisons au Japon a tellement été travaillé, interprété, que de nombreuses références ont fini par me gêner.
Ces photographies sont de petits moments d’illuminations et d’émerveillements. J’ai voulu créer ma propre saison.
II en résulte une réinterprétation par montage d’élément divers, Accompagnant des photographies directes, plus réalistes des quatre saisons.
Cette création est un mélange d’images, qui peut créer une atmosphère surnaturelle.  J’ai souvent montré ma capacité à la transformation des images, au déplacement physique du regardeur pour scruter l’image ; j’aime que le spectateur se perde parfois. Questionnement sur l’image, mais aussi sur la nature, préoccupation majeur de ce début de XXl eme siècle.
Qu’est-ce que je vois ?

Antoine Poupel aime à dire qu’il n’y connaît rien aux chevaux, cet éternel novice de l’art équestre n’est alors pas tenté de photographier la vraisemblance “hippologique”. Celui-ci met de la distance avec son sujet : celle de son objectif photographique qui révéler et réinterpréter depuis plus de vingt ans, les fresques chorégraphiques du théâtre équestre de Zingaro. Véritable “compagnon d’Art” de Bartabas, il a partagé le quotidien de cette troupe, l’a accompagné à travers le monde : d’Aubervilliers à New-York, de Moscou à Tokyo. Cette rencontre “fraternelle”, entre deux formes artistiques est née d’une véritable poésie visuelle.

Né en 1956 au Havre, France. Vit et travaille à Paris.

Son travail artistique avant-gardiste, questionnant les limites picturales et chimiques de la photographie l’a fait connaître dans le monde entier et lui a ouvert les portes des institutions photographiques les plus prestigieuses ainsi que celle du cabaret Crazy-Horse et du théâtre équestre Zingaro.

Le photographe partage aujourd’hui sa vie entre la France et le Japon, pays dans lequel il jouit d’une forte reconnaissance artistique.
Il a publié de nombreux livres et réalisé de nombreuses expositions en France, en Russie, aux État-Unis, en Europe et au Japon.