Apparence – Minéral
Extrait de l’exposition du 7 octobre au 22 décembre 2019
Sculpture

Que ce soit au moyen de ses sculptures soclées ou, comme nous pouvons le découvrir ici à la GALERIE 48, au moyen de ses tableaux sculptures, le travail de Frédérique Jeantet est, plastiquement, poétiquement et sémantiquement relié au règne du minéral. Son œuvre, en effet, constitue véritablement une géologie esthétique sensible mise constamment en variations formelles et rythmiques. C’est de cette géologie spéciale que nous parviennent les intensités d’un monde minéral multiple. Il est porté dynamiquement dans ses métamorphoses par la puissance des forces plastiques qui nous le donnent à saisir et à éprouver en tant qu’émotions et sensations. Ce degré intense de minéralité est atteint par le carton, qui est le matériau d’élection de Frédérique Jeantet. Elle triomphe plastiquement de ce paradoxe par l’efficacité de son minutieux et précis travail manuel allié ponctuellement à la technologie : découpage laser, traitement des résines. C’est en fonction de ce protocole plastique que le carton, désormais solide et dur, prend des consistances de pierres et de roches. C’est ainsi qu’il devient minéral, dans la richesse des textures de ses surfaces striées fondamentalement ouvertes et contenant en elles les strates du temps. Surfaces en reliefs parfois ondulatoires, comme sur les deux grands formats noirs anthracite, quand les colonnes parallèlement obliques s’enroulent dans l’obscurité de leur nuit de falaise fissurée pour épouser la monochromie subtile et nuancée captant et propulsant simultanément la lumière. Chacun peut donc percevoir et sentir le minéral à travers des effets de basalte, de granit, de silex, de schiste ou bien encore de lave volcanique. Mais, dans la mesure où le carton devient minéral dans la réalité plastique de cette géologie esthétique, il outrepasse le niveau des rapports métaphoriques, car cette géologie réelle et imaginaire produit, sous les conditions stylistiques de Frédérique Jeantet, une géologie de la terre et de l’humain. L’artiste capte les données humaines des affects, des émotions, des sentiments pour les exprimer dans les rythmes et les formes du minéral. Aussi, si nous prenons en exemple Rythmique des failles, on comprend que ces failles ne sont pas seulement celles des profondeurs terrestres lorsqu’une force souterraine traverse les roches magmatiques et fissure la surface des sols, mais ce sont également les failles des profondeurs humaines qui traversent et ébranlent les esprits, les cœurs et les corps, faisant frémir la peau. C’est pourquoi chaque action plastique est à penser et ressentir comme le mouvement d’une émotion, d’un affect, d’un sentiment, comme un mouvement de l’âme. Ainsi Frédérique Jeantet nous indique qu’il y a dans tout être humain des paysages émotionnels repliés sur leurs secrets, et que seul le champ artistique peut dévoiler.

Joël Couve, octobre 2019

Née en 1955 à Lyon en France, vit et travaille à Lyon.
École de dessins textiles « Le Petit Collège » à Lyon
Cours du soir des Beaux Arts de Lyon en section dessin et plâtre.

Gentle Waves
Hiromi Kuboi – Jane Norbury – Tatsuhiro Suizu
Extrait de l’exposition　du 25 mai au 15 juin 2024

Accrochage de Printemps
Extrait de l’exposition collective du 16 mai au 29 juin 2019

Ma première visite en France a eu lieu en septembre 2019 en tant qu’artiste participante à un programme d’échange culturel franco-japonais. J’ai séjourné à Lyon, Chamonix-Mont-Blanc et Annecy. Le bleu profond et clair du ciel qui merveilleusement enrobait les paysages urbains historiques ; le bleu des lacs remplis d’eau qui faisait partie de la vie quotidienne. Les bleus chatoyants de la France toujours m’empoignent dans mes souvenirs de ce voyage qui ne peut s’estomper.

Je suis une artiste qui utilise la technique de peinture traditionnelle japonaise “Nihonga”. Je peins la beauté qui réside dans toutes les choses à l’aide de matériaux de peinture naturels tels que les pigments minéraux broyés. Les délicates particules chatoyantes propres aux pigments minéraux conservent leur beauté inchangée, même après 100 ans.

Dans cette exposition, le bleu de la France, toujours présent dans mon esprit, est représenté par le pigment “bleu Gunjô” particulièrement apprécié de nombreux peintres japonais.J’ai mis tout mon cœur dans chaque coup de pinceau, dans l’espoir de créer un monde où vous pourrez goûter une paix profonde, même à notre époque. J’espère que vous apprécierez mes œuvres.

Hiromi KUBOI
Avril 2024

Née à Tochigi, Japon en 1984, vit et travaille à Tokyo

*INTEN : Exposition et Concours historique de peinture japonaise après sélection préliminaire organisé par l’Institut d’art du Japon.

Portrait de la terre des hommes
Extrait de l’exposition du 3 février au 2 mars 2024

Pour sa première exposition en Europe, le photographe japonais Kentaro Kumon a accepté l’invitation de la directrice Mari Katagiri d’exposer un aperçu de son travail axé sur le paysage et ses modifications humaines à Lyon. Installée depuis 2012 rue Burdeau, la Galerie 48 est devenue, en octobre dernier, un lieu nomade investissant un lieu différent pour chaque exposition. Jusqu’au 2 mars sa résidence temporaire se trouve au 6 rue Vauzelles, dans le haut des Pentes de la Croix-Rousse, accueillant le travail de Kentaro Kumon pour sa première exposition en Europe.

“Paysage naturel et travail anthropique”
Plus de quarante clichés instaurent un dialogue raffiné avec une face peu connue de l’empire du Soleil Levant. Portées par un chromatisme sensible et un lyrisme raffiné, les photographies de Kentaro Kumon consignent des fragments d’un quotidien lourd et répétitif, ponctué par des rythmes naturels et les besoins du marché.
Dans l’extraordinaire silence qui habite les images, surgissent des gestes anciens et communs, liés par l’appartenance au monde de l’agriculture et de la pêche. La relation sans intermédiaire avec la terre et l’eau délimite la culture d’un travail qui sous-tend la chaîne alimentaire.
Le regard de Kumon se pose ainsi sur les femmes et les hommes appartenant au secteur primaire, ce qui renvoie l’être humain à l’origine de la civilisation sédentaire. La nature, belle et puissante, se plie aux besoins humains à travers une domestication qui, bien que rationalisée selon les principes du capitalisme, montre ses limites et ses failles.
Les usines et les ports abandonnés, joints aux aléas des saisons, invalident une production que l’on voudrait efficiente et parfaite. Dans ces contrepoints surgissent ainsi les gestes et les visages d’une humanité qui résiste malgré tout, interrogeant directement la nature pour sonder sa disponibilité. Comme ces vieilles dames de la ville balnéaire de Wajima qui, pour prendre la décision de récolter ou non des algues, répondent candidement « Demandons à la mer ».

Fabrizio MIGLIORATI

février 2024

Né en 1981 à Hyogo, vit et travaille à Tokyo, Japon

Photographe. II est l’un des photographes les plus actifs de Tokyo. Il travaille dans les magazines et la publicité japonais et parallèlement, il produit ses propres œuvres tant aux pays national et international. En 2012, il a remporté le « Prix de nouveau venu de l’année » par Japan Photographic Association pour son essai photo « La boutique de Goma ». Puis, il s’est orienté vers le thème du secteur primaire – l’exploitation japonaise des ressources naturelles : agriculture, pêche et artisanat – vis-à-vis de la vie humaine et de la terre.

Ces dernières années, il enchaine expositions et livres : Laboureurs”(2016), des photographies de paysages agricoles à travers le Japon ; “La rivière Koyomi”(2019), qui explore la relation entre les hommes et les rivières ; et “Lumières de péninsules(2020)” présentant la diversité des paysages, des cultures et des modes de vie des péninsules du Japon. Son œuvre la plus récente est “L’ile endormie”(2022), une série de photographies d’îles désertées, de la mer intérieure de Seto

Apparence – Minéral
Extrait de l’exposition du 7 octobre au 22 décembre 2019
Photographie

Le 250ème de seconde combiné aux angles et aux ombres organisent l’instant sublime d’une combinaison magique et révèle certaines coïncidences.
Ma recherche vient d’une balade infinie, de moments uniques saisis aux passages de situations éphémères. Ma photographie est faite de belles rencontres, entre autres celle de Robert Delpire, montreur d’images, à qui je voue une perpétuelle reconnaissance. Il est ma référence et mon chef d’orchestre dans son rôle essentiel de promoteur de la photographie.
Venez me retrouver dans mon étonnement et ma poursuite du banal sans exotisme.
Bon voyage…

Bernard LAURENT, Octobre 2019

Bernard Laurent nous emmène en noir et blanc, dans un univers onirique créatif particulier, stylisé et troublant à travers un langage photographique qui lui appartient. La précision géométrique de ses cadrages et sa passion pour les jeux d’ombres lui permettent de gommer l’inutile. Sa photographie résume son parcours. Nous assistons à une recherche surréaliste aux limites des apparences, pour nous laisser une trace d’endroits silencieux et de moments éphémères. La violence et la profondeur des contrastes noir et blanc constituent sa signature visuelle.

Vincent Mastroianni

Née en 1948 à Lyon en France, vit et travaille à Lyon.

Jardins électriques
Extrait de l’exposition du 17 mai au 30 juin 2018

Extrait de l’exposition du 4 septembre au 31 octobre 2014

Écriture à hauts risques qui sait affronter le vide. Qui navigue sur les profonds remous de l’affectivité centrale, et nage lentement au cœur des renaissances invisibles, au fond du marécage archaïque. II n’y a ni passé ni avenir, mais le présent discontinu de la création. Sandra Martagex, inventive, sidérante et poignante, vagabonde dans les désordres corporels.

Christian Noorbergen
Mai 2018

Née à Paris en 1967, vit et travaille à Paris.

Résonance de  la 15^ème Biennale d’art contemporain de Lyon
Exposition du 18 septembre au 5 octobre 2019 au loft 4.40 a Lyon

Takesada MATSUTANI au Centre Pompidou a Paris du 25 juin au 23 septembre 2019

Dialogue d’artistes, Paris-Ôsaka, Ôsaka-Paris
Extrait de l’exposition du 8 septembre au 27 octobre 2018 – Gravures

Matsutani Takesada se forme d’abord à la peinture traditionnelle japonaise Nihonga mais développe rapidement un intérêt pour l’art abstrait. Eminent représentant de l’art contemporain japonais, il fait partie du groupe d’avant-garde GUTAI.
Le travail créatif de Matsutani explore des techniques variées, notamment avec une utilisation unique de la colle vinylique et du graphite, les outils de prédilection de l’artiste, ou la conception d’installations monumentales et de performances. Mais la pratique de l’estampe est restée au fil des années l’un des domaines favoris de Matsutani, et a également donné lieu à des collaborations régulières avec des éditeurs et auteurs pour la production de livres d’artistes.
GUTAI était un groupe d’avant-garde formé en 1954 dans la région du Kansai, dont Osaka est la capitale par un ensemble de jeunes artistes. L’association était dirigée par le peintre pionnier de l’art abstrait Jirô Yoshihara (elle a été dissoute en 1972). Le nom “Gutai” était destiné à “présenter des preuves concrètes que notre esprit est libre”. La signification littérale du mot “gutai” est “concret”. Yoshihara exigeait sans relâche des membres un art n’ayant jamais existé et de nature abstraite. Il a organisé de nombreuses expositions et événements dans des parcs, sur scène et même dans le ciel. Les artistes ont réagi en produisant une succession d’œuvres créatives et innovantes enracinées empreintes d’idées fantastiques. Bien que les activités des artistes aient été, à l’époque, largement ignorées au Japon, le groupe a été acclamé à l’étranger et le nom « GUTAI » a été largement reconnu dans le monde de l’art occidental à la fin des années 50.

GALERIE 48

Né à Osaka, Japon en 1937, vit et travaille à Paris, France.

Matsutani participe à toutes les expositions du groupe de Gutai du 1960 au 1972.
Depuis sa première exposition personnelle en 1963 à Osaka, Japon, il entreprend une carrière internationale qui lui vaut un grand renom. Ses peintures sont représentées aujourd’hui en permanence en France, en Europe, au Japon, en Amérique du Sud et du Nord.