Gravures d’aujourd’hui – Six artistes contemporains
Pierre ALECHINSKY – Hervé DI ROSA – Speedy GRAPHITO – Carl-Henning PEDERSEN – Gottfried SALZMANN – Richard TEXIER
Extrait de l’exposition du 10 septembre au 29 octobre 2016

Pierre ALECHINSKY

Né en 1927 à Schaerbeek (Bruxelles) en Belgique.
L’un des acteurs les plus importants du monde artistique belge de l’après-guerre.
Adhérent du mouvement CoBrA suite à la rencontre d’un des fondateurs, le poète Christian Dotremont. Œuvre centrée autour des arts de l’impression : typographie, gravure, calligraphie, en particulier japonaise, variété des supports.

Grandeur nature
Extrait de l’exposition du 12 septembre au 30 octobre

« Grandeur nature » célèbre les couleurs du vivant, mais avec en toile de fond l’angoisse de la disparition des paysages dont il fait l’inventaire. Car désormais, la contemplation romantique de la nature s’accompagne de l’effroi écologique : demain ce que nous admirons aura disparu. Au moment où nous le voyons, le paysage est un évanouissement, une relique, l’indice de ce qui a été, déjà un souvenir. C’est cette histoire de fantômes que raconte Olivier Aubry, fasciné par le territoire Japonais en ce qu’il représente une humble fragilité frappée par les catastrophes naturelles et humaines les plus extrêmes.
Peintre et performer, il parcourt ce pays en géographe pressé : il y a urgence. A l’enjeu écologique, il répond par l’économie de moyens ; face à la disparition des lieux, son protocole d’action court contre la montre : plutôt que se déplacer, Olivier Aubry préfère les promenades sur Google Earth de Tomomi Yano, son assistante japonaise. Au hasard des vues décrites, l’artiste traduit la dictée en croquis cartographiques rapides, et, depuis ces notes visuelles, peint des instantanés sous forme de monochromes intenses. Ceux-ci sont issus de la superposition d’épaisses couches de couleur accumulées aussi longtemps que la fraîcheur de l’huile permettra d’y tracer un sillon, comme une écriture graphique dans la matière colorée, sans repentir possible.
La maîtrise picturale associée à la rapidité d’action créent ici une qualité singulière : capturer l’urgence et la doter d’une profondeur. Charger la toile de mémoire avant la perte, bercer de lumière l’ombre des fantômes, se nourrir de la beauté en conscience de sa disparition. C’est le rôle de la couleur, reine dans cette œuvre : diffuser une charge émotionnelle pure, la preuve de la capacité d’émerveillement de l’artiste et une invitation à réveiller la nôtre.
Ainsi, « Grandeur nature » est une élégance dans le désespoir. L’affirmation que tout n’est pas perdu quand bien même tout disparaît, et que c’est notre capacité d’émerveillement qui, peut-être, sauvera le monde de l’homme et l’homme de lui-même.

Thierry Dupas

Né en 1964 à St Quentin. Vit et travaille à Lille.

INTERFACE DU VIVANT
Extrait de l’exposition du 9 novembre au 23 décembre 2017

ITINERANCES – Gravures et Collages
Extrait de l’exposition du 23 mai au 6 juillet 2013

Depuis toujours, quelque chose m’attire, me fascine, au fond des replis énigmatiques de la Nature, comme si toutes les réponses aux nombreuses questions posées sur le sens de la vie, de nos origines et nos devenirs y étaient cachées.
Une sorte de rébus infini que je triture, examine, malaxe, sous toutes ses formes jusqu’à ré-assembler ses morceaux en cherchant a déchiffrer ses codes. Fascination à la fois rétinienne, sensuelle mais toujours interrogative. Entre plaisir et patiente besogne, mon travail parvient, à certains moments d’équilibre de mes compositions, à me donner la sensation qu’une certaine harmonie universelle devient perceptible, sans toutefois jamais vraiment l’atteindre.
L’image, dans ses mystères, ses jeux, ses mille facettes, sont autant de générateurs d’émotion, car rien n’est dépourvu de sens, mais la profondeur de ce sens ne se laisse pas expliquer.
Orienter l’attention du regard vers les aspects permanents du règne vivant me donne en retour un précieux fil d’Ariane pour sauvegarder la sensibilité de l’érosion et garder l’éveil du regard. Pratique en contraste abrupt avec le bruit violent du monde.
Serait‐ce par là que se trouverait un chemin menant vers d’autres sources ?

Henri BAVIERA
Lorgues, 2017

Né en 1934, originaire de Saint Paul de Vence, France.
Vit et travaille à Lorgues, Provence-Alpes-Côte d’Azur.

Formation à l’École Trachel de Nice : peinture, dessin, gravure. Puis, dès 1960 séjourne plusieurs années à Paris, fréquente des académies de peinture ainsi que l’atelier Calevaert‐Brun où s’enrichissent ses connaissances de la gravure. Après avoir pratiqué différentes disciplines : mosaïque, vitrail, céramique, polyester, sculpture, installations, la peinture, la gravure et la réalisation de livres d’artistes sont actuellement son activité majeure.
Depuis 1950 plus de 350 expositions personnelles, collectives et foires d’art internationales, marquent son parcours en France et à l’étranger : États-Unis, Royaume-Uni, Canada, Japon, Allemagne, Italie, Danemark, Belgique, Suisse, Hollande, Brésil. En 2012, la ville de Saint Paul de Vence a organisé une grande exposition résumant ses 60 années de peinture. Aujourd’hui BAVIERA expose au Japon, à Paris et dans le sud de la France.

STRESS TEST
Extrait de l’exposition du 25 janvier au 3 mars 2018

Ni soleil, ni lune
Un monde sans repères
Extrait de l’exposition du 17 mars au 7 mai 2016

Géographies marginales
Extrait de l’exposition du 30 janvier au 15 mars 2014

Dans les domaines de l’ingénierie, de la sécurité ou de la finance, des tests de résistance permettent de mesurer la fiabilité de structures telles que celles des immeubles, aéroports ou institutions financières afin de les améliorer en imaginant comment celles-ci réagiraient en période de crise.
Notre monde est traversé de lignes de faille, annonciatrices de graves perturbations. Serons-nous encore capables de les traverser ?

Dans ces nouvelles peintures, Anne Bertoin parle d’un univers fragilisé mais aussi résilient. La destruction y est présente : montagnes de cendres parcourues de flammèches, porche balayé de poussières, déflagrations, vallée fluviale devenue un désert de neige… Cependant, tapis, perles et trésors, invisibles au premier regard, apparaissent parmi les débris, côtoient les fosses et les rebuts. L’astronaute porte le malade dans la nuit, le reporter témoigne du front, l’obscurité scintille… Comme si, parce qu’il pouvait produire des richesses, le chaos avait un sens et semblait avoir trouvé sa place dans l’ordre du monde : celle du changement et du renouveau.

Anne Bertoin
Janvier 2018

Face aux grands paysages ou espaces intérieurs (usines, bâtiments industriels…) d’Anne Bertoin, nous sommes d’abord comme stoppés dans notre “élan de voir”. Arrêtés par un rideau de coulures, de taches neigeuses, de traînées désordonnées… Cet empêchement pictural est aussi une invitation à baisser les armes affûtées de la perception et de la conscience, à s’avancer sans repères au sein d’espaces étrangement inquiétants, de ruines, de traces chaotiques de l’inconscient, d’une topologie du rêve… « Le Rêve est une seconde vie écrit Gérard de Nerval dans Aurélia. Je n’ai pu percer sans frémir ces portes d’ivoire ou de corne qui nous séparent du monde invisible… Nous ne pouvons déterminer l’instant précis où le moi, sous une autre forme, continue l’œuvre de l’existence. C’est un souterrain vague qui s’éclaire peu à peu, et où se dégagent de l’ombre et de la nuit les pâles figures gravement immobiles qui habitent le séjour des limbes… » Une fois ce seuil initiatique et plastique franchi, nous découvrons des lieux dévastés, des forêts déchiquetées et tourmentées et des usines abandonnées, où la présence humaine se réduit à une ou deux silhouettes à peine perceptibles. L’ombre romantique du peintre allemand Caspar David Friedrich y rôde. Celle de son compatriote contemporain Anselm Kiefer aussi.

« Mon travail repose sur l’idée de “trace mnésique” écrit Anne Bertoin. A mi-chemin entre le conscient et l’inconscient, le tableau conduit le spectateur dans un no man’s land imaginaire où l’histoire individuelle cède la place à l’histoire collective ». Histoire collective faite ici de forces qui nous dépassent et de catastrophes indéterminées du passé.
Née à Lyon en 1963, diplômée des Beaux-Arts de Paris, Anne Bertoin a passé une grande partie de sa vie au Canada. Les grands espaces de ce pays imprègnent fortement ses toiles, emportent au loin sa psyché et ses références autobiographiques. Et l’on pense beaucoup en découvrant ses œuvres à un autre artiste ayant vécu au Canada et qui transforme ses paysages en espaces mentaux traversés d’étrangeté : l’Ecossais Peter Doig. Ce dernier peint lui aussi des atmosphères troubles s’appuyant sur des effets picturaux de coulures, où les choses demeurent indécises, équivoques, entre apparition et disparition. «Des formes émergent d’un tourbillon de taches poursuit Anne Bertoin, de drippings abstraits : ruines, rochers, routes, arbres, êtres humains ; elles portent par transparence les traces de plusieurs mémoires, époques et lieux, luttant pour ne pas retourner au chaos dont elles viennent de sortir». Une expérience sensorielle qui s’avère des plus troublantes.

JEAN-EMMANUEL DENAVE
Le Petit Bulletin Lyon nº 746
pour l’exposition 2014 d’Anne BERTOIN à GALERIE 48

Née en 1963 à Lyon en France, vit et travaille à Paris.

Anne Bertoin a vécu au Canada à Montréal de 1988 à 2012 ; elle y a exposé régulièrement depuis 1995 ainsi que dans la province de Québec et à Toronto. Depuis 2006 elle a montré ses œuvres à plusieurs reprises en France, notamment à Paris, à Lyon et en région Rhône-Alpes. Elle s’est installée à Lyon en 2013.

Accrochage de printemps
Extrait de l’exposition collective du 21 mars au 4 mai 2019

Éclats de temps
Extrait de l’exposition du 15 mars au 5 mai 2018

Choix de petits formats
Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016

Le chant des êtres
Extrait de l’exposition du 5 septembre au 24 octobre 2015

l’instant
Extrait de l’exposition du 31 janvier au 6 avril 2013

Nicole Bottet célèbre le quotidien, le silence serein du réel pudique.
Des stèles se dressent à des confis sans nom. Sa création est un bonheur de l’ici et maintenant une grâce, un ravissement.
Le chant des êtres.
Quelque chose se dérobe et éclot.
Quelque chose se volatilise et commence.
Le jeu est puissant, la nuance une intensité.
Les fleurs se flétrissent dans la splendeur éphémère.
Hors d’un carton oublie s’échappent des fragments de vie, elle travaille au service de l’ignoré, des lettres jaunies surgissent, la confidence d’un père, la rencontre, la guerre, des vies s’entrecroisent sans souci de chronologie et se retrouvent placées au cœur d’un tableau.
Des existences sortes de l’oubli en rejoignant la couleur sur la toile. Le temps est effacé, le passé est présent.
La peinture de Nicole Botter nous fait vivre des émotions soudaines, inexplorées le ton si fragile est juste.
Dans le champ de la création elle est une aventurière. Elle tente et décide.
Elle essaie et fonce. Elle agit à la bonne occasion au moment favorable par des gestes appropries, a la belle heure pour la joie et par la joie.
L’artiste voyage à l’intérieur de l’inexploré.

“Le chant d’être” B.S. et Gilbert LASCAULT

Née à Pontoise en 1942, vit et travaille à Paris.

Après ses études à l’École des Beaux-Arts de Paris, dès 1973, date de sa première exposition personnelle, elle entreprend une carrière internationale. Ses peintures sont représentées en permanance en France, Allemagne, Autriche, Suisse, au Japon et Lichtenstein. Elle produit plusieurs films et livres d’artiste.

L’Autre d’après le poème d’Andrée Chedid
Extrait de l’exposition du 18 mai au 1 juillet 2017

Mon désir a été de rendre hommage à 3 femmes par des œuvres peintes ou graphiques, ma façon à moi de saluer La femme – ma mère avant toutes, une femme belle, une émigrée courageuse, qui a souffert de cet état et du regard des autres,  à l’épreuve de la vie à son arrivée au berceau et encore à son terme.

Le destin de Camille Claudel m’a bouleversé : sculpteur de génie, clouée par le verdict de la société, elle meurt à l’asile après 30 années d’internement stérile, dans l’indifférence générale,  et malgré la grandeur de la famille Claudel est incinérée dans une fosse commune. Je ne l’oublie pas. (non exposée ici)

Rencontrée en 1967, Colette Magny a été une grande amie, une confidente. Auteur-compositeur-interprète, c’est une grande voix qui a chanté l’éternité de la jeunesse en révolte.  Elle a dénoncé une société injuste et sclérosée et  pris position sur les évènements du monde. L’Insoumise par excellence décède en 1997 saluée brièvement par ses compagnes-compagnons de scène et son public. Ses textes puissants gardent une résonnance intacte avec notre actualité. Lorsqu’elle venait chanter en Rhône-Alpes je la rejoignais sur scène pour danser lorsqu’elle interprétait J’aurais tant aimé danser, jusqu’à la fin de mes jours…D’après quelques toiles des années 1964-68 elle a écrit la chanson « CONASCOR »  (disque Feu et rythme 1971 Chant du monde). Je l’ai transcrite en couleurs flamboyantes. Salut ému et fraternel à toi Colette.

Andrée Chedid est la compagne de mes pensées, j’ai eu la chance de la rencontrer en 1992, et de son écriture ciselée elle m’a offert une préface incroyable : Ciesla, le vaste.  Cette femme est lumineuse et sa bonté, son humanité sans frontières, sourdent dans tous ses écrits. La force et la beauté de sa  poésie sont inspirantes et par le dessin, la peinture, la gravure,  j’ai  fait miens quelques poèmes. Je te remercie Andrée d’éclairer mes jours.

Josef Ciesla – avril 2017

En hom­mage au poème « L’Autre » d’Andrée Ché­did (fil ins­pi­ra­teur de l’exposition), Josef Ciesla entre pein­tures, sculp­tures et des­sins ren­voie à un au-delà de la figure pour un exer­cice de sur­gis­se­ments. L’ombre humaine est donc ouverte par le plasticien. Tout se joue entre une masse confuse et les signes qui s’en dégagent. Le tra­vail consiste à rendre une absence pré­sente qui exerce sur l’esprit et sur la per­cep­tion une fas­ci­na­tion. De la matière – et quelle qu’en soit la nature – émerge une lumière incon­nue mais qui ne nous est pas étran­gère puisqu’il s’agit de “cette chair qui nous com­pose”.
Ciesla sou­lève l’étrange magma du chaos et de l’ordre  de notre viande de l’inconscient qui la tra­vaille. Chaque pièce désigne l’être sans le nom­mer en des trans­po­si­tions plas­tique là où tout prend l’aspect d’une sur­face qui se refuse et s’ouvre pour les défilé d’impressions exis­ten­tielles. Nous sommes mis en pré­sence de ce que nous ne dis­tin­guons pas tant nous res­tons sou­vent les pas­sants soli­taires dans la rue quel­conque de nos exis­tences.
Existe une double action : expan­sion, éner­gie mais aussi « manque » de « L’Autre » ou le recueil de ses marques qui deviennent la sub­stance même de l’art. Cette inter­ac­tion impose une puis­sance envoû­tante. Chaque œuvre égare. Elle porte à proxi­mité de la dis­pa­ri­tion mais aussi de l’imminence d’un retour.

Jean-Paul Gavard-PerretPhilosophe

1929-2023 Né à Tarnów en Pologne et émigré en France a l’age de 4 ans.
Vivait et travaillait à Artas, Auvergne-Rhône-Alpes, France.

Depuis 1963, la première exposition a Lyon, il expose en France, Pologne, Allemagne et aux États-Unis.
S=Sculpture, T=Œuvre textile, D=Dessin, Peinture

Poèmes du quotidien 
Œuvres disponibles

LYON ART PAPER, salon de dessin contemporain
du 7 au 11 octobre 2020

C’est au cœur du quotidien – un quotidien tranquille et qui semble presque immuable, un quotidien comme nous en vivons tous, fait de scènes familières, telle celle qui nous réunit autour du repas dominical ou bien celle qui nous voit rêvasser devant notre bol de café, au petit matin – que Marc Dailly a choisis de planter le décor de sa peinture. La vie comme elle va, sans fioritures, mais aussi sans pathos, mais aussi sans irruption d’angoisse d’aucune sorte, sans aigreur ni vague à l’âme. La vie saisie dans la magie de l’instant avec le désir d’en souligner la beauté, en même temps que la matérialité sereine.

Marc Dailly nous délivre au fil de ces toiles des émotions magnifiques, nourries par de petits riens de petits détails, savoureux et terriblement évocateurs. Une immense table rouge, dans un décor rouge, et une petite fille qui nous regarde et dont on imagine qu’elle termine son repas avec la lenteur qui sied aux enfants, celle de leur bon vouloir. Une pièce plongée dans l’ombre et depuis laquelle on aperçoit  la cuisine dans la clarté de l’après-midi. Une femme qui profite quelques minuits des rayons du soleil, seule, absorbée par quelque douce rêverie. La peinture n’est pas ici le lieu de convergences tumultueuses de sentiments contradictoires, la catharsis d’un esprit tourmenté, et pour autant elle ne se complait nullement dans une observation béate des intérieurs ou des personnages.
La peinture ici est fille de poésie et nous donne à voir le quotidien sous son meilleur jour.  La vie est belle, après tout. Elle nous ramène par les sujets qu’elle couche sur la toile, a notre propre condition de contemporain habite par les mêmes habitudes, les même reflexes, même intérieurs. II faut regarder de toute son âme, semble suggérer Marc Dailly, voir la lumière iriser la chevelure d’un enfant, le visage d’une femme, percevoir le charme de certains scènes anodines que nous sommes tous amenés à vivre, gouter le silence d’un intérieur tout frémissant encore des rencontres passées. Marc Dailly milite en quelque sorte pour un regard objectif sur le monde. Tout n’est pas tragique, définitif, tout n’est pas perdu. II suffit de regarder autour de soi, de prendre ici ou là de quoi nourrir notre soif de beauté. La vie est belle, après tout. Or donc, en plongeant au cœur de cette peinture intimiste, qui nous immerge dans un quotidien sans tensions, il advient que l’on touche du doigt un monde presque enchante, la vision troublante d’image qui sont autant de petits bijoux d’humanité, de petits moments de bonheur partages avec nous par l’artiste. Comme de beaux présents offerts au regardeur avec mission de les dupliquer peut-être à son tour dans a vie de tous les jours.

B. L.
Miroir de l’art #98. 2019

Né à Genève en 1978 et vit et travaille à Lyon.

Le manteau du Jardinier
Extrait de l’exposition du 23 janvier au 7 mars 2020

le troisième jour – Peintures
Extrait de l’exposition du 11 avril au 18 mai 2013

C’est le grand pays, celui des extraordinaires rencontres, celui qui détient tous les secrets confiés aux clairières, celui dont les mirages aquatiques captivent, celui dont le ciel est un pur miroir, un lieu gardé farouchement par son unique souveraine, la nature, notre mère initiale, détentrice de tous les éléménts primordiaux. Pour accéder à cet éternel éden, deux clés permettent de faire jouer la serrure de la porte cachée à tous les regards, la première a la forme de l’émerveillement, la seconde ressemble au visage d’une fleur des champs. Simplicité et attachement, force et délicatesse, beauté et constance, sont les mots animant cette contrée totalement ignorée de la multitude qui a oublié ses paradis d’enfance. Quelques êtres, hors du temps, y résident et parcourent inlassablement ses landes, ses sous-bois, ses prairies, ses champs. Parmi eux, le Jardinier, gardien attentif, orfèvre et tailleur, et la mémorialiste, déméter, qui en imprime, dessine et peint tous les portraits car elle sait, intimement, que le même souffle nous unit au végétal et à tout ce qui vit silencieusement.
Ses représentations d’un univers délaissé, humble et immuable, nous entraînent vers des rives où la conscience commune du vivant apparaît dans l’éclat solaire d’iris, graciles et fières sentinelles de la quiétude des étangs, dans un fruit presque mûr, ensommeillé sous l’habit protecteur qu’un ami lui a donné, dans la parure endiamantée d’un premier cep, dans le viril aspect d’un second et, plus loin, comme un modèle, dans la sereine pose de l’eau, que couronnent des nénuphars impassibles. Et, si tout nous semble familier, c’est parce que nous sommes de très proches parents, nous sommes toutes les fleurs, nous sommes l’onde transparente qui réfléchit, nous sommes ce qui surgit de terre, nous sommes l’arbre espérant le manteau du Jardinier.
Si déméter décrit notre destinée, sans détour, passionnément, par ces petits colliers de menues branches, ces bracelets de feuilles, ces bagues d’écorce, ces étoiles de rameaux fragmentés, c’est que nous ne sommes que cela et rien d’autre dans le grand pays. Notre existence est à l’image de ces éphémères créations, comme les traces légères des fleurs imprimées dans des pages immaculées, sous une poussière de neige. De la couleur au noir et blanc, les tableaux, ceux de notre trop court passage dans le jardin du possible, oscillent entre apaisement et tendresse. Tout ce qui est représenté est empli de ces deux sentiments, couple indissociable, et la douceur qui en émane nous rassure sur la poursuite de l’humaine odyssée, dans l’étrange séjour du terrestre rêve.
Les œuvres de déméter débordent de vie, de la plus infime particule qui ne sait plus si elle est végétale ou animale, à la plus imposante qui se rapproche insensiblement de l’apparence humaine. Sur la toile, sur le papier, c’est une profusion de mouvements, tout vibre, tout se déplace, tout palpite. Des cœurs habitent toutes ces formes et les guident vers un accomplissement vital. Le vivant respire, en-dehors et au-dedans du cadre, sur et sous la toile, le vivant caresse la matière qui l’accueille et s’y fond amoureusement. Ces ardentes créations imaginaires, marquées du sceau de la réalité, c’est tout l’art de déméter, celle qui aime tant le grand pays qu’elle y passe ses jours et ses nuits, à la recherche de nos semblables élémentaires, en quête de nos parallèles parentés, sur le chemin qui mène à l’immense candeur de l’âme originelle.

Gérard Duchêne, janvier 2020

Née à Macon, France. Vit et travaille à Lyon.
Formation École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon.